WHISPERS

TEATRO. El tiempo y los Conway. "Seguros por el mundo".

2012-02-01T09:43:00.002Z

De J. B. Priestley.

Con: Luisa Martín, Nuria Gallardo, Alejandro Tous, Juan Díaz, Chusa Barbero, Débora Izaguirre, Ruth Salas, Alba Alonso, Román Sánchez Gregory y Toni Martínez.

Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente.

Madrid. Teatros del Canal. 20 de enero de 2012.

El argumento de El tiempo y los Conway casi podría tildarse de convencional: el declive y desmoronamiento de una familia acomodada en una ciudad de provincias durante el periodo de entre guerras motivado por la ruina económica, moral y afectiva de sus miembros bajo la férula de una madre viuda, dominante y aferrada a sus prejuicios de clase. Y sin embargo, merced a la meticulosa articulación de la trama y al penetrante análisis de la psicología de los personajes el autor consigue conjurar el tópico y construir una pieza brillante. Si a ello unimos el innegable talento de Pérez de la Fuente para la dirección de actores y su pericia como creador de atmósferas, el resultado puede calificarse sin ambages de excepcional.

El tiempo y los Conway es quizá la mejor de una serie de obras dedicadas a reflexionar sobre el tiempo escritas por el autor. Tiene la novedad de que el desenlace, si puede decirse así, se lleva al segundo acto, de forma que el espectador puede relativizar el contenido de todo el tercer acto (el final de la fiesta de celebración del cumpleaños de Kay iniciada en el primero) y advertir con toda nitidez cuan impredecible puede ser el futuro y cuan fútiles e inestables pueden ser nuestros deseos y nuestras ilusiones. Cada detalle vivido como al paso por los personajes durante este acto, sin darle la menor importancia, cada gesto, cada actitud (el menosprecio de la familia hacia el advenedizo Ernest, el flirteo de la señora Conway con Gerald, cortando cualquier intento de aproximación de éste hacia su hija Madge, o el despecho de Alan, enamorado de Joan, al constatar la inclinación de la joven por su hermano Robin), tiene el valor de una auténtica revelación para el espectador que conoce de antemano sus terribles consecuencias. Y contemplamos a estos personajes desvalidos, inermes ante los caprichosos vaivenes del destino, que nos contagian su desasosiego, y comprendemos a Alan intentando aferrarse a una sola idea consoladora, la expresada en los versos de Blake que le recita a su hermana:

“El hombre fue creado para la alegría y el dolor

que están firmemente entretejidos.

Y cuando llegamos a saberlo de verdad,

podemos ir seguros por el mundo”.

La ambientación y la puesta en escena como ya he dicho son espléndidas. No se limitan a establecer los contrastes exigibles para marcar el lapso de tiempo de veinte años que separan los actos primero y tercero del segundo. Pérez de la Fuente trasciende el costumbrismo inherente a la acción incorporando elementos de contenido simbólico, en los espejos-relojes, o en la luz, cálida y brillante en el primero y tercer acto subrayando el optimismo y la alegría desbordante de las jóvenes; una luz que se torna fría, espectral, casi fantasmagórica en el segundo, acentuando la sensación de pesadilla; o la progresiva y casi imperceptible inclinación de los paneles del decorado como metáfora del hundimiento, de la descomposición de los fundamentos que habían mantenido unida a la familia, pero también del ambiente opresivo marcado por el carácter de la madre, la presencia del padre ausente o el dolor por la prematura muerte de Carol.

En el movimiento escénico y en la disposición de los actores, en las entradas y salidas, en el ritmo, en cada cruce de miradas, en cada detalle, se ve la mano sabia del director que no parece dejar nada al azar. Multitud de hallazgos expresivos dan muestra también de la sintonía del director con los actores y del buen hacer de estos, sin excepciones, en un trabajo que por momentos alcanza altísimas cotas de calidad artística. Todo ello al servicio de un argumento complejo que es un compendio de emociones y sentimientos contrapuestos: de ilusiones y alegría, de sueños y esperanzas, pero también, de tristeza, de frustración y de resentimiento, y de la más negra sensación de fracaso.

Un espectáculo, en fin, imprescindible, que pone en evidencia que se puede ver buen teatro en los llamados circuitos comerciales promovido por la iniciativa privada y que no hace falta halagar al espectador con propuestas facilonas para convocarle a las salas; que los espectadores, por último, agradecemos que se nos trate como adultos y no como a niños a los que se puede engatusar con fruslerías.

Gordon Craig.

Gordon Craig Diario de Alcalá.

El tiempo y los Conway en los Teatros del Canal.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2012-01-31T09:39:00.001Z

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

1000 razones para no dejar de leer: “Un rey sin diversión” de Jean Giono.

2012-01-30T08:28:00.000Z

<< […] Era un caballo negro que sabía reír. […] Cuando tenía ganas de salir o de ver gente, empujaba la puerta y aparecía en el umbral. […] El caballo de Langlois disponía aún de otras maneras para proclamar con gran inteligencia esa necesidad de amar que todo el mundo tiene: seguir a sus amigos. Si veía que se iban, ya fuese a por tabaco o a casa de unos vecinos, a buscar herramientas o a hacerse prestar cualquier utensilio, les acompañaba, iba a ponerse a su lado, les frotaba el hocico contra las chaquetas; luego, a su paso, avanzaba con ellos, como si quisiera pasar un rato con las personas por quienes sentía afecto. […] >>

Jean Giono, “Un rey sin diversión”.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen. Nueva York.

2012-01-27T11:19:00.002Z

Alberto Sen. Flickr.

Alberto Sen Fotografías.

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ACTUALIDAD. “Revista de Libros” echa el cierre.

2012-01-26T12:03:00.001Z

El año 2011 ha terminado con algunas malas noticias. Una de ellas es que la Fundación Caja Madrid ha decidido cerrar la “Revista de libros“ que dirigía Álvaro Delgado-Gal.

“Revista libros” era una de las mejores publicaciones sobre literatura y ensayo que se editaban en español en los últimos años. No se trataba tan sólo de una recopilación de excelentes reseñas sobre libros de actualidad, sino que también contenía grandes artículos de fondo sobre un amplio abanico de asuntos: ensayo, filosofía, política, historia, arte, cine, etc.

La Revista contaba con un plantel de excelentes críticos, escritores, articulistas, y eso se notaba en la gran calidad de muchos de sus artículos. Álvaro Delgado-Gal supo formar este gran equipo de colaboradores que satisfacía y no paraba de sorprender a los amantes de la literatura, de la palabra escrita, entre los que yo me encuentro.

Hace casi quince años que cayó en mis manos uno de los primeros ejemplares de la Revista. Y hace cosa de un año y medio que pude suscribirme por primera vez, ya que mi economía me le empezaba a poder permitir. Poco más de ese tiempo me ha durado la aventura y el atrevimiento, porque hace cosa de unas semanas recibí una carta de la redacción informándome de su inminente cierre. Me quedo con los intensos ratos que hemos compartido en soledad y con las sensaciones que quedan dentro de mi, entrañables y placenteros recuerdos.

Una vez al mes abrías el buzón de correos y te encontrabas con tu ejemplar recién salido de las rotativas o de la imprenta. Ansioso le echabas un primer vistazo, y una vez seleccionado el material que más te interesaba devorabas los artículos uno a uno. Yo sentía verdadera predilección por algunas secciones de la Revista, como por ejemplo: “Sub rosa” (de la primera etapa de la revista) o “la mirada del narrador”, o por las excelentes críticas de películas de cine.

Es una gran pérdida el cierre de esta gran publicación “cultural”, quizás Rodrigo Rato no tenía ninguno otro lugar de dónde recortar (esos bonus millonarios de los fracasados gestores de Bancaja es algo mucho más importante que hay que preservar), pero como Delgado-Gal dice en la carta que dirige a los suscriptores: “esperemos que esto sólo sea una interrupción, no un final. La crisis pasará, pero la cultura y el debate de las ideas encontrarán otros caminos para expresarse”.

Revista de Libros.

1000 razones para no dejar de leer. “Un reino confinado pero también abierto al mundo exterior “.

2012-01-25T17:19:00.001Z

[…] "Lo que deseaba Moreno Villa era tener un cuarto, una habitación propia como la de Virginia Woolf, una habitación en la que saber quedarse en calma, como hubiera querido Pascal, un reino confinado pero también abierto al mundo exterior, como la torre del castillo en la que Montaigne instaló su escritorio y su biblioteca al retirarse tempranamente de las obligaciones públicas". […]

Antonio Muñoz Molina, en Babelia, 7 de enero de 2012.

Lee aquí el artículo completo.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen. Osaka.

2012-01-24T10:43:00.001Z

Alberto Sen. Flickr.

Alberto Sen Fotografías.

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TEATRO. En la Luna. "Entre el aguafuerte y el sainete".

2012-01-23T10:51:00.000Z

De Alfredo Sanzol.
Con: Juan Codina, Palmira Ferrer, Nuria Mencía, Luis Moreno, Jesús Noguero y Lucía Quintana.
Dirección: Alfredo Sanzol.
Alcalá de Henares. Corral de Comedias. 14 de enero de 2012.

Tenían ganas de reír los espectadores que abarrotaban la otra noche las gradas y hasta los palcos del segundo piso del Corral de Comedias, predispuestos quizá por el éxito de crítica y de público que ha cosechado este montaje de Alfredo Sanzol durante las semanas de exhibición en la casa matriz de la capital del reino. Se nota enseguida un auditorio propicio cuando se comporta igual que el público de muchos estrenos integrado básicamente por miembros de la profesión que prorrumpen en carcajadas y rompen a aplaudir a sus colegas antes incluso de que el espectador común haya tenido tiempo para procesar el gesto o la réplica supuestamente graciosos y que habrían de provocarnos la risa. Ignoro el efecto que esa entrega a priori puede tener sobre el ánimo de los actores aunque me temo que nada bueno, porque quizá les exime del esfuerzo adicional de concentración que el actor se impone a sí mismo para alcanzar sus objetivos ante un público más exigente. Digo esto, porque me dio la impresión de que los actores, que por lo general hacen un buen trabajo -a veces excelente-, se dejan seducir en demasía por los cantos de sirena de la complacencia.

Complacencia, por cierto, de la que no está exenta la obra que arranca precisamente -siguiendo quizá el viejo principio de la oratoria, la “captatio benevolentiae”, y dando por sentado que al respetable siguen haciéndole gracia los chascarrillos sobre Franco-, con un chusco episodio sobre un pobre diablo que recibe sin esperarlo una extraña invitación de El Pardo para formar parte del grupo de los elegidos para trasportar el féretro con los restos del generalísimo el día de su entierro. Aunque, en fin, los caminos de la memoria son inescrutables y no habría que ponerle peros al siempre errático y caprichosos fluir de los recuerdos de la infancia, ese borroso compendio de sentimientos, de emociones, de deseos, sueños y frustraciones que es lo que al parecer pretende recrear el autor con esta pieza.

Como en sus montajes anteriores (Sí, pero no lo soy y Días estupendos, que reseñamos en estas mismas páginas) Sanzol recurre al la técnica del sketch, fragmentando la acción en varias microescenas a modo de flashes o apuntes que hieren la retina del espectador despertando en él ecos de situaciones similares a las vividas por los personajes (como el dedicado a La fiesta de cumpleaños), o evocando episodios dolorosos o controvertidos de nuestra historia reciente, como La fosa y El atraco, de claras connotaciones políticas. Desde la supuesta sinceridad de la mirada de un niño, ingenua, pero también severa, incisiva y hasta cruel, es la vida cotidiana de aquellos años turbulentos y esperanzados que se iniciaron con la muerte de Franco y el inicio de la Transición la que aflora en cada una de estas escenas, recreadas en clave humorística y con un tratamiento que va desde el tono levemente irónico hasta el sarcasmo.

Se agradece que el autor huya del tono panfletario y del maniqueísmo en las escenas de mayor calado político, y su ingenio para la parodia y la invención, y su humor absurdo y zumbón aunque hay escenas, que en su ejecución, se perciben en exceso tributarias de lo sainetesco y de la bufonada en el peor sentido del término.

Gordon Craig.

Teatro de la Abadia. En la Luna.
Gordon Craig en el Diario de Alcalá.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen.

2012-01-18T12:24:00.001Z

Alberto Sen. Flickr.
Alberto Sen Fotografías.
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1000 razones para no dejar de leer: “Colores de otoño” de Henry David Thoreau.

2012-01-17T15:48:00.002Z

[…] "Permitid ahora que vuestros paseos sean un poco mas aventureros y subid a la montaña. Si a finales de octubre subís a cualquiera de las montañas que rodean nuestro pueblo, o seguramente el vuestro, es muy probable que veáis… pues, lo que me empeño en describir [ la belleza de los bosques en otoño]. Sin duda veréis todo esto y mucho más, si estáis preparados para verlo, si lo miráis". […]

Henry David Thoreau, “Colores de otoño”, José J. de Olañeta, editor.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2012-01-16T14:43:00.003Z

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

1000 razones para no dejar de leer. “Los literatos del pasado son los creadores de los deseos de los hombres del presente”.

2012-01-12T12:01:00.002Z

<< […] Y si los literatos del pasado son los creadores de los deseos de los hombres del presente, se sigue de ello que los literatos del presente han de asumir la tarea de configurar los deseos de las generaciones venideras. ¿Quién lo hará si no, dada la especialización profesional de las sociedades contemporáneas? La responsabilidad del intelectual de hoy es alimentar la conciencia del hombre de mañana a fin de que sienta una predisposición natural a la convivencia: su altísimo ministerio consiste en la educación sentimental del futuro. […] >>.

Javier Gomá Luzón, en Babelia, 10 de diciembre de 2011.

Lee aquí el artículo completo.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen.

2012-01-11T12:37:00.002Z

Alberto Sen. Flickr.
Alberto Sen Fotografías.
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CINE. “Percebeiros. Sea bites”.

2012-01-09T14:48:00.004Z

¿Quién es Serxo Ces? Serxo es un percebeiro, un hombre de mar, un marinero, un hombre que se enfrenta al mar pegado a la roca soportando la violencia del oleaje para poder arrancar a la piedra el percebe, el marisco que luego vende para poder dar de comer a sus hijos y a su mujer.

Serxo es un héroe anónimo, aunque a él no le guste denominarse como tal, para Serxo, los verdaderos héroes son las mujeres. Pero a pesar de esto, Serxo es un héroe de la mar, podría tratarse sin lugar a dudas de alguno de los protagonistas de una novela de Jospeh Conrad o de Ernest Hemingway, pero en esta ocasión con un traje de neopreno negro a cuestas, como un superhéroe moderno que salta de roca en roca buscando el preciado marisco para poder ganarse unos duros.

David Beriain y Fernando Ureña han construido un precioso retrato de la continua lucha de Serxo con el mar en Sea Bites. Serxo te atrapa, te engancha y ya no te suelta hasta el final, desde su humildad (“sin mar no puedo vivir”), desde su sinceridad (“si tienes miedo no vas nunca”), porque te muestra una parte de su alma. Una gran realización del corto documental, su imagen tiene una fuerza tremenda, y una cuidada música, convierten a “Percebeiros” en una pequeña joya de apenas 10 minutos que sabe a poco.

“Percebeiros. Sea bites” ha sido preseleccionado para los Premios Goya 2012.

Percebeiros en Youtube.
Percebeiros en Vimeo.

TEATRO. Contraacciones. "La sonrisa del Gran Hermano".

2012-01-05T08:30:00.003Z

De: Mike Bartlett.
Con: Pilar Massa y Goizalde Núñez.
Dirección: Pilar Massa.
Madrid. Teatro María Guerrero. Sala de la Princesa. 27 de diciembre de 2011.

No he podido por menos de evocar el estremecedor final de 1984 de George Orwell en este comentario sobre Contracciones, la pieza de Mike Bartlett que se repone estos días en la Sala de la Princesa del teatro María Guerrero, ese momento dramático en el que Winston, sentado frente a su vaso de ginebra barata, levanta la vista hacia la telepantalla y confiesa comprender, al fin, la sonrisa del “Gran Hermano”. La conversión de Winston a la fe en el líder máximo del partido y su anulación como persona se producían por efecto del brutal poder represivo de la policía del pensamiento de un estado totalitario; aquí, ese poder coercitivo lo ejerce la empresa sobre sus empleados, por medios más refinados o “civilizados”, si se quiere, pero sus efectos son igualmente deletéreos. Allí se terminaba por convertir al ciudadano en siervo, aquí se convierte a un trabajador en esclavo; un esclavo agradecido que besa la mano de quien le da de comer.

“Dentro de ti no pueden entrar nunca” le había dicho Julia a Winston en alguno de sus escasos momentos de intimidad antes de que su relación fuera descubierta por los espías del partido. Y vaya si entraron, hasta convertirlo en un despojo humano, en un ser despreciable carente de orgullo y de dignidad; la firmeza de Emma y su mirada desafiante en la primera entrevista con su jefa denotan la misma incredulidad y la misma seguridad en sí misma que las palabras de Julia pero todavía no había dado comienzo el despiadado acoso, la intolerable intromisión en su intimidad, al que va a someterla una implacable Directora Gerente invocando unas sibilinas cláusulas contractuales diseñadas para erradicar cualquier atisbo de relación afectiva entre los empleados de la empresa que pueda suponer una merma de su productividad. Y es que, aunque revestida de un humor mordaz y con alguna pincelada de tintes macabros, esta pieza descarnada y corrosiva de Mike Bartlett viene a poner al descubierto el deterioro que están experimentando las relaciones laborales en una sociedad tan altamente competitiva como la nuestra y su profundo grado de deshumanización.

Las reducidas dimensiones de la sala y la extrema sobriedad de la puesta en escena propician la cercanía y la presencia física de las actrices que hacen un verdadero alarde de concentración y de contención expresiva. La tensión se palpa literalmente en el ambiente; y también la rabia, y el despecho, y la mordaz ironía de las réplicas y el destello fugaz de las miradas asesinas envueltas en palabras de terciopelo; y la toma de distancia, y la falsa cortesía, mientras se estudian con la mirada como dos hembras en celo. Dos actrices en estado de gracia: Pilar Massa (que también dirige el montaje) es la directora gerente, una mujer fría, calculadora, carente de sentimientos, una verdadera hija de puta que tras una estudiada mansedumbre y unos modales suaves esconde un corazón de hielo. Goizalde Núñez es Emma, una alta ejecutiva, resuelta, educada, fuerte, desinhibida, segura de si misma, pero que al final sucumbe a la presión de esta peligrosa nueva versión de la “policía del pensamiento” orwelliana.

Gordon Craig.

Teatro. Contraacciones.

Gordon Craig Diario de Alcalá.

1000 razones para no dejar de leer: “El encuentro” de Nadine Gordimer.

2012-01-04T10:55:00.001Z

Nunca sabes cuando te vas a encontrar con un libro o con un escritor en concreto. Los caminos para llegar a una gran obra no están escritos, y por eso su lectura, tras su descubrimiento, se convierte en una experiencia más sublime aun si cabe.

Yo llegué a “El encuentro” de Nadine Gordimer, tras leer una muy buena crítica de J. M. Coetzee. Coetzee me tiene maravillado y pensé, si a Coetzee le ha gustado esta novela, ¿por qué no me puede gustar a mi?

Llegar a “El encuentro” fue otra historia. La novela está agotada desde hace unos cuantos años, y después de varios infructuosos intentos para adquirirla de segunda mano por Internet, desistí. Al final encontré un ejemplar del libro en la biblioteca del barrio, que está bastante bien surtida.

“El encuentro”, como ya indica su título, es la historia de Julie y Abdu, que por gracia del destino se conocen porque el coche de ella se avería en plena calle, y el taller mecánico más cercano es en el que trabaja Abdu. El destino quiere que se enamoren y se amen con pasión. Pero también les muestra la cara más amarga de la vida, Abdu es un inmigrante sin papeles, y Sudáfrica lo expulsa del país por su situación ilegal. Julie toma la decisión más importante, marcharse con su amado a su país natal, un país musulmán de medio Oriente.

La novela de Gordimer nos habla de los sentimientos, del amor, de la familia, de las frustraciones humanas, de las relaciones entre un hombre y una mujer, del misterio del ser humano. Y lo hace de una manera cautivadora, con un estilo simple, pulcro, pero incisivo. Gordimer nos lleva, poco a poco, a meternos dentro de las vidas de dos personajes muy diferentes, uno de ellos un inmigrante sin papeles que ansía con todas sus fuerzas incorporarse a la sociedad occidental y para ello está dispuesto a luchar a cualquier precio por conseguir su sueño; y el otro personaje, una mujer, hija de un acaudalado hombre de negocios, que no ha tomado todavía el pulso justo a la realidad, a la vida, y que pasa la mayor parte de su tiempo entre un trabajo cómodo y charlando con sus amigos en un café, mientras beben cervezas y fuman porros, a la vez que solucionan los problemas del mundo.

Una gran novela. Un magnífico regalo de Reyes para rezagados.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen.

2012-01-03T11:44:00.002Z

Alberto Sen. Flickr.
Alberto Sen Fotografías.
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1000 razones para no dejar de leer. "Albert Einstein y la crisis".

2012-01-02T13:01:00.013Z

<< No pretendamos que las cosas cambien, si siempre hacemos lo mismo. La crisis, es la mejor bendición que puede sucederle a personas y países, porque la crisis trae progresos. La creatividad nace de la angustia como el día nace de la noche oscura. Es en la crisis que nace la inventiva, los descubrimientos y las grandes estrategias. Quien supera la crisis se supera a sí mismo sin quedar superado. Quien atribuye a la crisis sus fracasos y penurias, violenta su propio talento y respeta más a los problemas que a las soluciones.

La verdadera crisis, es la crisis de la incompetencia.

El inconveniente de las personas y los países es la pereza para encontrar las salidas y soluciones. Sin crisis no hay desafíos, sin desafíos la vida es una rutina, una lenta agonía. Sin crisis no hay méritos.

Es en la crisis donde aflora lo mejor de cada uno, porque sin crisis todo viento es caricia. Hablar de crisis es promoverla, y callar en la crisis es exaltar el conformismo. En vez de esto, trabajemos duro. Acabemos de una vez con la única crisis amenazadora, que es la tragedia de no querer luchar por superarla. >>

Albert Einstein.

!Feliz Año 2012¡

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-12-23T07:07:00.006Z

"Feliz Navidad".

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

TEATRO. ï "Pan(carta) y circo".

2011-12-21T13:10:00.004Z

Idea e interpretación: Blaï Mateu Trias.
Dirección: Michel Cerda.
Alcalá de Henares, Corral de Comedias, 18 de diciembre de 2011.

Creado e interpretado por el polifacético performer Blaï Mateu Trias vimos el domingo pasado en el Corral de Comedias un espectáculo que podríamos calificar de circo-denuncia, (algo así como la canción-protesta de los sesenta), un espectáculo de difícil clasificación en el que el intérprete se sirve de su arte o habilidades particulares para vehicular una crítica social y política o simplemente para inducir al espectador, más allá del mero disfrute de su variada exhibición de técnicas circense-clownescas, a una reflexión de fondo sobre el exilio o sobre la falta de libertad.

Cabe decir que no siempre “idea e interpretación” corren parejos en ese difícil equilibrio entre fondo y forma que los clásicos invocaban como marca inequívoca de la calidad de una obra. La pericia indudable de Blaï Mateu en el cultivo de múltiples registros del lenguaje del circo, incluida su habilidad para interactuar con los más diversos objetos construyendo imágenes de fuerte contenido simbólico, no se compadece, a nuestro juicio, con sus dotes de filósofo o de moralista y el resultado en conjunto de su trabajo se hace difícil de digerir, aunque no lo manifestemos con síntomas tan evidentes y tan molestos como los que parece provocarle a él mismo la indigestión de aquellos aciagos años 38 y 39 del siglo pasado de nuestra historia patria.

Lástima, porque el planteamiento resultaba prometedor, si consideramos la vinculación misma del circo a una idea de itinerancia, de nomadismo, -de marginalidad, incluso-, de mestizaje, de espectáculo sin fronteras, que tan bien se aviene con esa incidencia en el exilio que es una de las ideas motrices del espectáculo. Pero ya desde sus primeros compases, con el dibujo de una pancarta cuyas señas de identidad son la A de anarquismo, la “G” y “F” de general Franco o la sopa de siglas de los partidos políticos del año 36 nos tememos lo peor. Y es que, como se dice en lenguaje coloquial, vuelta la burra al trigo. Y me pregunto si hay alguien que niegue a estas alturas el drama terrible, inimaginable, doloroso, de los quinientos mil españoles republicanos cruzando los Pirineos huyendo del ejército nacional -para morir, por cierto, infinidad de ellos, de disentería en los campos de refugiados del sur de Francia-; si hay necesidad de levantar una y otra vez la misma pancarta. ¿Qué tal si, para variar, dirigimos la lupa a los doscientos mil exiliados de las vascongadas -¡y al casi un millar de muertos víctimas del terrorismo etarra!-, o a los incontables “exiliados en su país” de los que habla el profesor Francisco Caja dentro de la misma comunidad autónoma catalana, por poner sólo un par de ejemplos? En fin es sólo una sugerencia que los creadores del espectáculo son muy libres de no aceptar. Faltaría más.

Gordon Craig.

ï en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares.

Gordon Craig en el Diario de Alcalá.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen.

2011-12-20T11:08:00.002Z

Alberto Sen. Flickr.
Alberto Sen Fotografías.
Ponerse en contacto con Alberto Sen.

1000 razones para no dejar de leer. “La metamorfosis de las novelas”.

2011-12-19T12:31:00.002Z

<< […] Lo que distingue a las mejores novelas es su capacidad perpetua de metamorfosis. Al llamarlas clásicas se les atribuye de manera instintiva una inmovilidad de mármol. El término obras maestras las falsifica al convertirlas en monumentos solemnes, y por lo tanto ajenos al presente, más adecuados para la reverencia y la retórica que para la lectura verdadera, pretextos para discursos y centenarios. […] >>.

Antonia Muñoz Molina, en Babelia, 10 de diciembre de 2011.

Lee aquí el artículo completo.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-12-16T06:45:00.002Z

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

1000 razones para no dejar de leer: , “Dramaturgia española de hoy” de Fermín Cabal. Entrevista a Rodrigo García.

2011-12-15T09:31:00.001Z

<< […] La educación es indisociable del amor. Un niño no se educa jamás en una escuela. Ahí hay solamente desconocidos. Un niño se educa en un hogar o como llamemos al lugar donde hay “tiempo disponible”. Ahora, ¿ves algún niño que se educa en algún hogar? Yo veo los hogares vacíos. Los padres están trabajando fuera. Los niños están en guarderías desde los dos años de edad o antes. ¿Ves amor, algo parecido al amor? Si no hay tiempo, no hay conocimiento. De generación, en generación se transmite la desesperación y el vacío. Eso es lo que un padre y una madre transmiten a sus hijos: vacío y locura. […] >>

Fermín Cabal, “Dramaturgia española de hoy”. Entrevista a Rodrigo García.

FOTOGRAFÍA. Víctor Carretero.

2011-12-14T08:57:00.003Z

Fotografías de Víctor Carretero.

Échale un vistazo a las fotografías de Víctor Carretero.

TEATRO. Macbeth. "Poética tenebrista".

2011-12-13T08:19:00.002Z

De William Shakespeare.
Con: José Tomé, Pepa Pedroche, Óscar Sánchez Zafra, Javier Hernández-Simón, Tito Asorey, Belén de Santiago y Anabel Maurín.
Versión y dirección: Helena Pimenta.
Madrid. Teatros del Canal.

Cuanto más nos acercamos a las obras de Shakespeare, sobre todo a sus grandes tragedias, más se acrecienta en nosotros la deprimente sensación de que son inabarcables. El foso que separa la hondura humana y la complejidad psicológica de los personajes de sus obras de la materialización escénica de tal complejidad en montajes concretos se agranda cada día, por eso es de agradecer que alguien consiga tender un puente levadizo que una esas dos orillas, que comunique esas dos realidades. El esfuerzo es doblemente meritorio si, como es el caso de Ur Teatro, se hace desde la iniciativa privada; entonces ya estamos hablando de un doble salto mortal sin red y no queda sino quitarse el sobrero, o el cráneo, que diría Valle Inclán.

Luego está la cuestión de la oportunidad. Claro que el fatal itinerario del sanguinario Macbeth impulsado por su ambición desmedida nos concierne, Helena, porque Macbeth puede representar a un personaje individual, pero también es un símbolo, el símbolo de un monstruo, individual o colectivo (¿en qué estaría yo pensando cuando en repetidas ocasiones a lo largo de la representación creí entender País Vasco o Guipúzcoa cuando, obviamente, los personajes hablaban del usurpador del trono de Escocia?) que no desdeña ningún género de violencia por más abominable que parezca para conseguir sus fines, una pulsión de muerte y de destrucción, totalitaria, ante la que hay que estar siempre prevenido y sobre la que cualquier recordatorio es no sólo pertinente sino necesario.

Escribe Harold Bloom en La invención de lo humano, que esta pieza es la más “nocturna” de todas la de Shakespeare. Helena Pimenta también parece haberse dado cuenta de ello y adopta para su montaje una poética decididamente tenebrista, en la línea de Gutiérrez Solana o de los aguafuertes y las pinturas negras de Goya, sirviéndose para ello del claroscuro en la iluminación y de proyecciones en blanco y negro, excepcionalmente teñidas por el rojo de la sangre derramada. El recurso a los medios audiovisuales sustituye con ventaja a los decorados convencionales en la creación de esa atmósfera de pesadilla que impregna toda la historia y facilita la representación de las brujas o de los espectros de Duncan o de Banquo y sus hijos; tienen, asimismo, un papel multiplicador de los integrantes del coro -un recurso muy atinado, por cierto, que contribuye a dar al espectáculo un cierto aire operístico- resolviendo con pocos efectivos las escenas de masas, imposibles para una producción modesta, pero a veces se cae en la tentación de delegar en el universo virtual el protagonismo en la creación de imágenes que corresponden únicamente al potencial evocador de la palabra.

El trabajo de actuación y de dirección de actores es muy sólido y riguroso. El tempo, quizá algo rápido, nos impide disfrutar con calma la compleja evolución de las emociones; hay, en cambio, una rara coherencia entre le texto y la plástica del montaje, vestuario e iconografía incluidos, de una época indefinida de barbarie militarista que retrotrae a un imaginario ampliamente compartido por los espectadores. Pepa Pedroche es una espléndida lady Macbeth llena de energía y determinación, aparece poseída por la ambición desde que lee con avidez la misiva de su marido con la profecía de las brujas que espolea sus sueños de grandeza; expeditiva, malévola, distante, despierta nuestra conmiseración cuando aparece presa de la locura. Vibrante es la breve aparición de Lady MacDuff (Anabel Maurín) aterrorizada ante la inminencia de su trágico final a manos de los esbirros de Macbeth; ponderado es asimismo el trabajo de Óscar Sánchez en su doble cometido (Duncan/MacDuff) y el de Javier Hernández-Simón en el papel de Baquo a quienes prestan el continente solemne de la majestad, la mirada fiera del soldado o la desesperación y la rabia del marido y padre agraviados. José Tomé acomete el papel quizá más difícil de su carrera dando muestras de una notable madurez artística; recrea un Macbeth humano que transita desde la seguridad en sí mismo de un soldado fiero y leal, a las violentas emociones que lo trastornan tras mancharse las manos de sangre; un personaje dubitativo, presa del miedo, del desconcierto y de la confusión, sometido a cambios bruscos de humor, atenazado como está por los remordimientos y por las visiones del horror de las acciones criminales que ha cometido.

Gordon Craig.

Macbeth en los Teatros del Canal.

1000 razones para no dejar de leer. "Uno de los peores peligros es el miedo".

2011-12-12T08:21:00.002Z

<< [...] Uno de los peores peligros, y que ahora veo muy presente, es el miedo. Tenemos miedo a perder nuestra juventud, a que no nos quieran... vivimos dominados por el miedo como también lo hacía Macbeth. Y este miedo le domina porque prefiere seguir su ambición sin ningún límite moral. Y así se lo mostramos al público. El mal se mira de frente. Así que una obra supuestamente terrible, a mí me ha dado un optimismo enorme. [...] >>.

Helena Pimenta, diario El Mundo, 30 de noviembre de 2011.

Lea aquí la entrevista comleta.

TEATRO. Purgatorio. Sobre el arrepentimiento y el perdón.

2011-12-09T07:57:00.007Z

De Ariel Dorfman.
Con: Viggo Mortensen y Carme Elías.
Dirección: Josep María Mestres.
Madrid. Naves del Matadero. 1 de diciembre de 2011.

He estado tentado de encabezar esta reseña sobre la obra de Ariel Dorfman que puede verse estos días en las Naves del Matadero con el siguiente título: Medea en el diván. Quizá tal titular hubiera sido más descriptivo en el plano argumental del contenido de esta pieza amarga y perturbadora que protagonizan Viggo Mortensen y Carme Elías, aunque habría privado al lector de un primer atisbo, de un primer enunciado de alguno de los temas de fondo que la obra contempla, cuestiones de una enorme trascendencia moral, como la culpa, la expiación, la venganza, el arrepentimiento o el perdón que han preocupado y siguen preocupando al también autor de la inolvidable película La muerte y la doncella.

Y es que, en efecto, es el mito de Medea el que vivifica este intrincado recorrido emocional por la mente y el corazón de una mujer, que despechada por el abandono y la traición del marido decide -como la heroína de Eurípides-, dar muerte a sus propios hijos para vengarse de él. La diferencia fundamental, si puede decirse así, es que Purgatorio empieza donde Medea termina, pues arranca con la Mujer (que así es como se denomina al personaje femenino autor de esos horrendos crímenes) recluida en una especie de psiquiátrico para ser sometida a un tratamiento de “purificación” similar al que debían experimentar las almas de los condenados según la escatología cristiana para purgar sus culpas antes de acceder al Paraíso.

Este no es el caso, sin embargo, en este texto tortuoso e intrincado de Dorfman; vedado cualquier vestigio de consuelo o posibilidad de redención que proporcionaría la fe, abandonados los personajes a su suerte y a sus propias limitaciones, este supuesto purgatorio se convierte en un verdadero infierno para ellos, condenados a hacerse daño el uno al otro eternamente para expiar sus faltas: el desprecio y la traición, el Hombre; el crimen y la incapacidad para el arrepentimiento sincero y el perdón, la Mujer, y un irreductible poso de resentimiento sustentado en la constatación de que el menosprecio del Hombre hacia ella emana precisamente de su incapacidad para considerarla su igual.

A la complejidad en sí de los personajes se suma la circunstancia del cambio de rol, es decir que los mismos actores (actor y actriz) desempeñan los papeles de paciente y psicoterapeuta alternativamente en varias ocasiones a lo largo de la obra. Eso dificulta aun más el trabajo de interpretación y lo convierte en un verdadero reto del que, hay que apresurarse a decir, que ambos salen airosos, incluso con nota, en ocasiones. Como médico de esa institución -que a veces recuerda la mezcla de cárcel y manicomio de La Fundación de Buero Vallejo-, El Hombre (Viggo Mortensen) se comporta de una manera fría y distante, profesoral, con un falso aire de jovialidad para ganarse la confianza de su paciente; parco, en general, denota un cierto amaneramiento en algunas poses de científico distraído. Como paciente trata de llevar siempre la iniciativa para dar muestras de una seguridad en sí mismo que está lejos de poseer y simula tranquilidad para ocultar un desequilibrio evidente; trata de mostrarse obsequioso, cortés en extremo y dispuesto a dar la razón a la Mujer como parte de una estrategia calculada para congraciarse con ella. Respecto a la Mujer (Carme Elías), como terapeuta parece más implicada emocionalmente en el caso, más insegura; la saca de sus casillas la complacencia y el aire de autosuficiencia que adopta su paciente y no se jacta de tenderle añagazas para desentrañar las inconsistencias de su relato complaciéndose un tanto sádicamente cuando descubre sus puntos débiles. Esa misma inseguridad, sobre todo al principio la traslada Carme Elías a su rol de paciente; una actuación más monocorde, con menos salientes, debido en parte a que es una etapa de tanteos, mientras el interrogatorio va desbaratando los múltiples cortafuegos que su memoria ha impuesto para cerrar el paso a las capas más profundas de su conciencia atormentada. No obstante, a medida que nos acercamos al final de la obra destapa el tarro de las esencias y da muestras de un brío y una fuerza dramática arrolladora que conmueve hasta las lágrimas en el relato de los detalles más truculentos y atroces de la matanza de sus hijos o en la desgarradora confesión de su incapacidad de perdonar la traición. Vale la pena, en fin, soportar la retórica un tanto alambicada, en ocasiones incluso farragosa, de los inicios para disfrutar de un desenlace soberbio. Así lo entendió el publico que abarrotaba la sala a juzgar por su sostenida atención a lo largo de la obra y por su cerrado aplauso final.

Gordon Craig.

Teatro Español. Purgatorio.

Gordon Craig en el Diaro de Alcalá.

ARTE. Nueva exposición de Bea de las Heras en Guadalajara. "Love and Respect".

2011-12-07T08:53:00.004Z

Nueva exposición de Bea de las Heras en Guadalajara. "Love and Respect".

Cafetería El tren, Plaza de Marlasca 1. Guadalajara.

Visita el blog de Bea de las Heras y conoce su obra.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen.

2011-12-05T09:06:00.001Z

Alberto Sen. Flickr.
Alberto Sen Fotografías.
Ponerse en contacto con Alberto Sen.

TEATRO. Dulcinea. “El dragón de los bostezos”.

2011-12-02T06:42:00.006Z

Bialostocki Teatr Lalek. (Polonia).
Con: Sylwia Janowicz-Dobrowolska, Izabela Maria Wilczewska y Krzysztof Bitdorf.
Guión, dirección y música: Adam Frankiewicz.
Madrid, Sala Réplika. 27 de noviembre de 2011.

En los múltiples intentos de aproximación del teatro a la figura de Don Quijote de los que tenemos constancia se ha prestado atención, como no podía ser de otra manera, a su condición de paranoico y se han destacado una y otra vez las ocasiones más celebradas en las que su desbocada imaginación enferma trasmutaba la realidad para adaptarla a sus deseos; cómo veía gigantes donde sólo había molinos de viento, o ejércitos donde rebaños, o el mismísimo yelmo de Mambrino donde sólo había una humilde bacía de barbero. En definitiva se trataba de meras paráfrasis o lecturas, en algunos casos inspiradas e ingeniosas, de episodios conocidos por cualquier lector de la obra cervantina. En el montaje de la compañía polaca Bialostocki Teatr Lalek que hemos visto anteanoche en la sala Réplika lo episódico pasa a un segundo plano. Alejados de cualquier tentación mimética construyen un universo autónomo de imágenes que por lo angustioso y desasosegante pudieran muy bien, eso sí, representar un viaje alucinatorio al interior de la locura que animaba los despropósitos de nuestro buen Alonso Quijano y su obsesión por poner permanentemente en cuestión lo real; o, tal vez, un viaje por los recovecos del proceso mismo de la escritura, como sugiere la imagen informe de esa máquina de escribir ensamblada a un complicado artilugio mecánico de ruedas, engranajes y pedales que parece activarse sólo al dictado de una nueva lógica extrañamente inhumana.

En esta ocasión, el efecto desrealizador de la marioneta coadyuva de manera definitiva a la creación de la fantasía: la tiranía de la nueva racionalidad caprichosa y absurda de un mundo tecnificado y gobernado por autómatas, negador de la experiencia subjetiva, que trata en vano de sobrevivir en las imágenes fugaces del rostro femenino de Dulcinea que apenas se insinúa, proyectado como un negativo fotográfico, para desvanecerse enseguida denunciando su condición de quimera, de desvarío o de creación efímera de una imaginación impotente; o en la patética la imagen enteca de un Quijote de alambre haciendo sus cabriolas y peleándose con sus propios fantasmas.

De clara inspiración vanguardista el montaje es tributario del simbolismo onírico de la pintura de Magritte, en ese simulacro de figuras humanas que manipulan los resortes del engendro mecánico, pero también de la fascinación por los objetos imposibles -los ready made- de Duchamp y de la celebración del maquinismo por parte de los futuristas, por no hablar de ese genial artista plástico, performer y apóstol de la experimentación formalista que fue Tadeusz Kantor, cuya huella es bien visible en la puesta en escena.

Es corriente al hablar de las poéticas de las Vanguardias caracterizarlas como movimientos efímeros, cada uno de los cuales fue dando paso al siguiente en una suerte de carrera desenfrenada que perseguía la innovación a toda costa durante aquellos deslumbrantes años de la época de entreguerras. Este montaje desmiente esa apreciación, reafirma, contrariamente, la vigencia de aquél impulso renovador en algunos reductos de la creación artística, en este caso, el teatro de títeres, cuando se dispone del suficiente talento y empeño para perseverar en la búsqueda y ensanchar las fronteras de la teatralidad. Quizá sea este el único camino para, como pretendía Lorca con su teatro último, sacudir la conciencia aletargada del público -“el dragón de los bostezos-, una conciencia viciada por la práctica generalizada del drama burgués de su tiempo y del nuestro.

Gordon Craig.

Teatro Réplika. Teatro nacional de Títeres de Bialystok (Polonia).

Gordon Craig en el Diario de Alcalá.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-12-01T09:35:00.002Z

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

1000 razones para no dejar de leer: “Ciego en Gaza” de Aldous Huxley.

2011-11-29T14:51:00.001Z

<< […] [Los individuos] han de vivir en ciudades, han de tener ocio para leer los periódicos e ir al cine, han de ser animados a comprar cosas que no precisan porque existe el sistema industrial y ha de continuar existiendo; han de ser tiranizados y esclavizados; de lo contrario pudieran pensar por sí mismos, lo que supondría quebraderos de cabeza para quienes los gobiernan. […] >>

Aldous Huxley, “Ciego en Gaza”.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen.

2011-11-28T14:32:00.002Z

Alberto Sen. Flickr.
Alberto Sen Fotografías.
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TEATRO. Ernesto Caballero toma las riendas del Centro Dramático Nacional. "Relevo en el CDN".

2011-11-28T08:50:00.002Z

Hace apenas dos semanas conocíamos la noticia de la designación de Ernesto Caballero como director del Centro Dramático Nacional en sustitución de Gerardo Vera.

La principal novedad del nombramiento es que se ha producido tras un concurso público en el que, como requisito previo, los candidatos debían presentar un proyecto artístico con las líneas maestras de su actuación durante su estancia al frente de la institución. Nos felicitamos por ello, ya que esta fórmula permite despejar dudas sobre la transparencia del procedimiento y conjurar las sospechas de favoritismo o de afinidad ideológica que habían enturbiado anteriores nombramientos y creado malestar entre muchos miembros de la profesión. Además, tal mecanismo de selección confiere un plus de legitimidad, y, queremos suponer, de libertad de maniobra al nuevo responsable de la institución, una de las más prestigiosas y de las de más abultado presupuesto en el ámbito del teatro en España.

Para Ernesto Caballero (Madrid, 1957) este cargo viene a ser la culminación de una brillante y dilatada carrera, de una vida dedicada por entero al teatro en su doble vertiente: artística, como autor y director teatral, y empresarial, como responsable de numerosos espectáculos producidos con su propia compañía, Teatro del Cruce. Ha sido además una de las pocas voces críticas que se han levantado contra la escasa atención dispensada a las compañías madrileñas por las instituciones en los últimos años denunciando activamente la política cultural de dichas instituciones, en particular de la del Ayuntamiento de Madrid.

Como dramaturgo está dotado de una extraordinaria capacidad de penetración para comprender el mundo que le circunda. Escritor de singularísima inspiración, de verbo fácil y de una vasta cultura literaria, Ernesto Caballero es capaz de cultivar los más variados registros y de ponerlos al servicio del agudo análisis de la realidad que reflejan sus obras. Ya sea la realidad histórica, como en ¡Santiago (de Cuba) y cierra España!, donde reproduce con igual maestría la jerga grandilocuente y huera del cacique de turno que el lenguaje coloquial de unas mulatas mambises; ya sea la realidad artística, como en María Sarmiento, parodiando con singular finura el manantial claro y desgarrado del verbo lorquiano; ya sea la realidad social más rabiosamente actual como en Auto o en Un busto al cuerpo, obras en las que parodia por igual la petulante e inflada retórica posmoderna de nuestra clase profesoral como el solipsismo autista de nuestros adolescentes.

Como director posee una potente imaginación creadora que proyecta en todos sus montajes, desde Maniquíes, por ejemplo, donde nos traslada al universo hiperreal de unas maniquíes -“princesas tetrapléjicas”-, repentinamente animadas, por el deseo de vivir, de gozar, de sufrir y de sentirse humanas por unas horas en la soledad nocturna de unos grandes almacenes hasta el ya citado montaje de ¡Santiago (de Cuba) y cierra España! donde nos arrastra a los desvanes de la memoria para alumbrar imágenes de fuerte contenido simbólico. Es capaz de revelar toda la carga poética y el alcance de la obra de Alberti poniendo el énfasis no sólo en los valores estrictamente artísticos, poéticos, de su escritura sino en lo que ella tiene de denuncia, de compromiso y de testimonio cívico, como en He visto dos veces el cometa Halley o rescatar para la escena el humor inofensivo, tierno y absurdo de Mihura, su acento levemente irónico, su lirismo y su punto surrealista como ocurre con su espléndido montaje de Las visitas deberían ser prohibidas por el código penal.

De notable y acreditado nivel artístico, su independencia de criterio y su familiaridad con los problemas y las dificultades de producción del teatro privado, no precisamente de espectáculos de relumbrón, sino de un teatro que siempre ha pretendido ir más allá del entretenimiento banal que tantas veces ofrecen las salas comerciales, hacen de él un patrón fiable para pilotar la nave del CDN en unos tiempos que se avecinan difíciles.

Gordon Craig.

Gordon Craig en el Diario de Alcalá.

FOTOGRAFÍA. El blog de fotografía de Víctor Carretero.

2011-11-24T14:59:00.006Z

Las cámaras fotográficas digitales han supuesto un gran alivio para los aficionados a la fotografía con pocos recursos porque les han permitido realizar muchas instantáneas sin tener que dejarse el sueldo en carretes analógicos y en costosos procesos de revelado.

Internet se ha convertido en un gran escaparate para muchos fotógrafos, creadores, aficionados. Y también una magnifica herramienta para los “mirones”, que pueden disfrutar la fotografía desde el salón de sus domicilios.

En uno de esos paseos por Internet me he encontrado con el “Blog de fotografía” de Víctor Carretero.

Víctor es un entusiasta fotógrafo que todavía mantiene viva esa curiosidad por conocer, que en muchas personas el hastío y el aburrimiento han hecho desaparecer. Creo que esa curiosidad y un afán incansable por conseguir belleza son las grandes características de su obra. Sus fotografías buscan lo bello de la vida. Sus escenas familiares, las fotografías de su hijo, de su mujer, etc. buscan el lado humano, esa cara amable de las personas que no siempre es fácil de encontrar y que ahora mismo no está de moda mostrar.

El trabajo de Víctor también se caracteriza por un continuo afán por investigar, por conseguir un efecto diferente, por mostrar un lado “oculto” de la realidad, de ahí también su colección de preciosas fotografías nocturnas.

Veo en algunas fotografías de Víctor también una cierta intención de “retratar” lo antiguo, lo que queda de un mundo que ya ha dejado de existir, o que está a punto de desaparecer. Digamos que quiere dejar testimonio de que algunas cosas que fueron importantes para otras personas como nosotros en otro tiempo todavía están ahí, que no sólo veamos, sino que miremos.

Date un paseo por el blog de Víctor.

ARTE. Bea de las Heras. "The Black Hours".

2011-11-23T14:49:00.003Z

Bea de las Heras. "The Black Hours". Tabla 50x72 cm. 2011.

Ponte en contacto con Beatriz de las Heras.

Visita su blog: Art & Design.

1000 razones para no dejar de leer: “Colores de otoño” de Henry David Thoreau.

2011-11-22T14:30:00.000Z

<< […] La belleza y la riqueza auténtica suelen ser baratas y despreciadas. El Cielo podría definirse como el lugar que los hombres evitan. […] [Las hojas de los árboles] Nos enseñan a morir. Uno se pregunta si llegará el momento en que los hombres, con su presuntuosa fe en la inmortalidad, yazcan con la misma elegancia y madurez. […] >>

Henry David Thoreau, “Colores de otoño”, José J. de Olañeta, editor.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-11-21T08:58:00.002Z

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

TEATRO. Noches blancas. "Una hermosa historia de amor y de sueños".

2011-11-18T07:14:00.005Z

De Fiodor Dostoievski. Adaptación de Ángel Gutiérrez.
Con: María Muñoz y Carlos Herencia.
Dirección: Ángel Gutiérrez.
Madrid, Teatro de Cámara Chejov, 12 de noviembre de 2011.

Noches blancas es una novelita corta de inspiración romántica de un joven Dostoievski que ya anticipa, aunque de manera todavía incipiente, su predilección por personajes solitarios, infelices, de mentes desequilibradas, sometidos al dictado de sus pasiones o abrumados por el sentimiento de culpa. Aunque no tan autodestructiva, la patología que aqueja a los personajes de esta obra, su propensión a la fantasía y a la ensoñación, no es menos dañina para el espíritu y puede acrecentar hasta límites difícilmente soportables las consecuencias de un fracaso amoroso.

Porque de una historia de amor es de lo que se trata, de una conmovedora y entrañable historia de amor que protagonizan Nastenka, un joven ausente y el narrador, reconvertido en la versión para la escena en un personaje que se refiere a sí mismo como “el Soñador”. Desaparecida la figura del narrador en primera persona omnisciente que monopoliza el relato de los hechos presentándolos desde una perspectiva única, los personajes adquieren mayor grado de autonomía y el diálogo narrativo se convierte en una auténtico diálogo dramático, fluido, espontáneo, mediante el cual se pueden expresar en sus justos términos los elementos esenciales del conflicto. Con la desaparición del narrador desaparece también la perspectiva levemente irónica del texto originario acentuándose su tonalidad lírica. La omisión del breve epílogo con el que concluye el relato y alguna que otra modificación en el final de la noche cuarta conducen a un desenlace excepcionalmente intenso que sacude las fibras más sensibles del espectador y le pone un nudo en la garganta.

La puesta en escena es de una sobriedad monacal. Sin apenas elementos escenográficos, auxiliados tan sólo por una sugerente ambientación musical que subraya ocasionalmente el estado anímico de los personajes, recae sobre los actores toda la responsabilidad de recrear la profunda humanidad y el complejo entramado espiritual de estas dos criaturas nobles, casi angelicales que con meticulosidad de relojero ha creado Dostoievski. Tanto María Muñoz como Carlos Herencia, bajo la batuta sabia y experimentada de Ángel Gutiérrez, hacen un trabajo extraordinario. La primera da vida a la joven Nastenka, casi una chiquilla de sonrisa franca y mirada cálida, vivaracha y jovial; cauta al principio, hasta que conoce el terreno que pisa y que sabe mostrarse ora prudente y cordial ora esquiva o condescendiente cuando la ocasión lo requiere, o dejarse llevar por sus emociones permitiendo que su fuego interior le incendie las mejillas o que el llanto anegue sus ojos. Carlos Herencia borda el papel que le ha caído en suerte: viene a representar una de las imágenes arquetípicas del carácter romántico que nos ha dejado la literatura, la de un ser retraído, sombrío, triste, de palidez cadavérica, tímido hasta lo indecible y dado a las ensoñaciones y a la introspección; de ademanes pausados y modales exquisitos, de voz trémula y quebrada por la emoción, que tiembla o ríe como un niño ante la menor deferencia de Nastenka o se retrae ante la menor insinuación de que no está obrando correctamente. Un ser puro y generoso dispuesto a sacrificarse por la felicidad de la joven.

Un trabajo, en fin, modélico, donde cada detalle del movimiento escénico y de la actuación está cuidado al máximo; un producto artesanal de la mejor factura que evidencia la pujanza y el buen nivel artístico de las salas del circuito alternativo.
Gordon Craig.

Teatro de Cámara Chejov.
Gordon Crair en el Diario de Alcalá.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen.

2011-11-16T09:37:00.002Z

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1000 razones para no dejar de leer. "La cultura no vende".

2011-11-15T09:29:00.002Z

<< [...] En mayor o menor grado, todos se han puesto de acuerdo en decidir que "la cultura no vende", por decirlo con el lenguaje que ellos usan. Algunas veces la entonación es de catastrofismo quejumbroso, matizado de una ficción de nostalgia por tiempos mejores que no se sabe cuáles fueron: la gente ya no lee, ya solo se interesa por la moda o por los chismes sociales, o por picoteos rápidos en Internet, solo quiere basura. Últimamente va extendiéndose un populismo jactancioso, incluso agresivo, en el que no es difícil intuir un matiz de resentimiento: ya basta de tanta literatura, de tanta música clásica, de museos rancios, de tantos libros pesados que nadie quiere ni tiene tiempo de leer, de tanto pelmazo elitista. Atribuir a la gente una ignorancia universal le permite a uno sentirse miembro del club selecto de los que sí saben, o bien sentirse legitimado en su propia ignorancia, en su desgana de aprender [...] >>.

Antonio Muñoz Molina, en Babelia, el 5 de noviembre de 2011.

Lea aquí el artículo completo.

FOTOGRAFIA. Alberto Sen.

2011-11-14T07:59:00.002Z

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TEATRO. Los emigrados. "Tragicomedia esperpéntica".

2011-11-11T07:00:00.004Z

De Slawomir Mrozek. Versión y adaptación de Jaroslaw Bielski.
Con: Jaroslaw Bielski y Frank Feys.
Dirección: Socorro Anadón y Jaroslaw Bielski.
Madrid, Sala Réplika. 6 de noviembre de 2011.

AA y XX son dos emigrantes polacos que por circunstancias distintas se han visto obligados a abandonar su patria. El primero es un intelectual exiliado por motivos políticos, el segundo un trabajador de la construcción que sólo desea ahorrar lo suficiente para volver con su familia y rehacer su vida. Su convivencia forzada en un sótano infecto de un edificio de apartamentos, probablemente en una gran urbe del país de acogida, crea las condiciones para que se desarrolle entre ambos una estrecha relación de camaradería, casi podría decirse, de hermandad en el infortunio, lo que propicia la confidencia íntima y el intercambio de ideas y pareceres. Un intercambio que a veces es franco y sincero, pero que por lo general está lleno de reservas, suspicacias y hasta desconfianza, y a través del cual vamos a ir descubriendo el alcance de la frustración y el dolor por su fracaso vital pero también la maraña de mentiras, malicias e intereses bastardos que enturbian su relación y muestran, a pequeña escala, la dificultad de construir esa “comunidad noble y honrada que les hará libres” por la que claman justo antes de caer el telón.

La portentosa capacidad de observación de Slawomir Mrozek y su particular sentido del humor le permiten descubrir, aun en situaciones límite, -como es el caso de la tragedia del exilio y la condena a la marginalidad de los protagonistas de la obra, arrancados de sus raíces y de sus afectos-, el lado más grotesco y absurdo del comportamiento humano. La pieza se convierte así en una suerte de tragicomedia esperpéntica donde incluso las intenciones más nobles y utópicas o las aspiraciones más legítimas se vieran truncadas por la debilidad o por la torpeza de los personajes, y devinieran, y con ellas los propios personajes, en caricaturas de si mismos, en víctimas de una burla cruel del destino.

La labor que ha hecho el equipo artístico de la sala Réplika con este texto es espléndida, empezando por la versión, pasando por la dirección y terminando por el trabajo de los actores. La versión arroja un perfecto dominio de los elementos del registro coloquial del español, las réplicas están llenas frases en suspensión, de sobreentendidos, de monosílabos, de interjecciones y exclamaciones, y de otros mil y un recursos de la expresividad, entre los cuales, no es el de menor importancia el esfuerzo llevado a cabo para hacer evidentes las dificultades concretas de XX para la pronunciación del español, lo que potencia el contraste entre los personajes y confiere una excepcional verosimilitud a los diálogos. Excepcional es también el trabajo de construcción física y emocional de los personajes. Esa labor de abstracción que tantas veces tenemos que llevar a cabo para disociar al actor del personaje aquí se hace innecesaria. Desde que XX (Frank Feys) irrumpe en escena renqueando, porque los zapatos que lleva puestos le están demasiado pequeños (unos zapatos, por cierto que no se avienen con su fisonomía de hombrón desgarbado, de movimientos torpes y expresión un tanto estupidizada), chapurreando el castellano y satisfecho de sus excursión vespertina por las inmediaciones de la estación de ferrocarril, ya no vemos al actor sino a un obrero explotado, embrutecido por un trabajo alienante y por las privaciones, volviendo a su cubil después de los escarceos callejeros en su único día de asueto, a un hombre solitario y triste que busca un poco de calor humano y el modo de combatir el hambre y la nostalgia, compartiendo sus recuerdos con su compañero de fatigas. Y lo mismo puede decirse de AA (Jaroslaw. Bielski), la cortesía y los modales exquisitos del intelectual son el contrapunto exacto del comportamiento primario de XX, aunque el trato afable y cordial y su predisposición a escuchar a duras penas ocultan el resentimiento y la frustración. Su discurso utópico y grandilocuente resulta patético, si no ridículo y sus grandes palabras sobre la libertad y la esclavitud se estrellan una y otra vez contra el muro de incomprensión de XX y sólo sirven para atizar en él la desconfianza y el odio. Entre las chanzas, los reproches y las amenazas queda espacio, no obstante, animados por los vapores del alcohol en el que ambos ahogan sus penas, para la conmiseración y la esperanza.

Gordon Craig.

Los Emigrados en el Teatro Réplika.

Gordon Craig en el Diario de Alcalá.

1000 razones para no dejar de leer. "Yo en todo igual o más que mi amigo".

2011-11-10T09:37:00.003Z

" [...] En los últimos quince años el tenor de vida de los españoles se ha parecido mucho al del nuevo rico, pero sin su riqueza. El dinero barato y fácil, junto a un juego perverso de emulación inversa -yo en todo igual o más que mi amigo, mi vecino, mi cuñado, mi compañero de trabajo-, hizo aflorar nuestro grosero apetito de bienes consumibles, que reclama una satisfacción inmediata, sin tolerar demora. Y pedimos préstamos bancarios, que permiten una rápida gratificación y una devolución retardada. Al hacerlo, la ostentación nos hacía parecer más ricos a los ojos de los demás, pero en la realidad éramos más pobres porque nuestra deuda crecía". [...].

Por Javier Gomá en Babelia el 29/10/2011.

Lee aquí el artículo completo.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-11-07T12:27:00.002Z

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

TEATRO. Anhelli. La llamada. "Las raíces rituales del teatro".

2011-11-04T07:24:00.004Z

Espectáculo inspirado en el poema Anhelli, de Juliusz Slowacki.
Con: Matej Matejka, Ditte Berkeley, Nini Julia Bang, Przemyslaw Blaszczak, Alessandro Curtí, Jean François Favreau, Jaroslav Fret, Alekxandra Kotecka, Ewa Pasikowska y Tomasz Wierzbowski.
Teatr ZAR. Dirección: Jaroslaw Fret.
Madrid, Teatro de la Abadía, 30 de octubre de 2011.

Por medio de diversos actos celebrados en Madrid a lo largo de este segundo semestre de 2011 el Programa Cultural de la presidencia polaca del consejo de la Unión Europea nos ha brindado la oportunidad de entrar en contacto con múltiples facetas de la realidad cultural actual del país eslavo. Por lo que se refiere a las artes escénicas teatros como el María Guerrero, la sala Réplika o el teatro de la Abadía se han convertido por unos días en escaparate privilegiado de producciones y compañías que habitualmente tienen escasa, por no decir nula, presencia en nuestros escenarios. El teatro de la Abadía, en concreto, nos ha ofrecido en la sala San Juan de la Cruz, del 27 al 30 de octubre, un excepcional montaje del teatro ZAR de Wroclaw que queremos glosar aunque sea brevemente en estas páginas.

Formado hace unos diez años por jóvenes actores del Instituto Grotowski su trabajo parece orientarse hacia la búsqueda de los orígenes rituales del teatro. Al parecer, durante alguno de sus viajes de estudio a Georgia los integrantes del grupo entraron en contacto con antiguas tradiciones musicales caucásicas relacionadas con el canto polifónico de las que se han servido para poner música a una colección de textos religiosos, desde el Cantar de los Cantares a San Juan de la Cruz o al Maestro Eckart incluyendo fragmentos de Anhelli, del poeta y dramaturgo polaco Juliusz Slowacki. De una u otra manera todos estos textos vienen a ser expresión de una misma actitud de apertura del espíritu humano a lo ideal y sobrenatural y obedecen a un mismo anhelo del hombre por buscar la trascendencia, trascendencia que a veces enmascara nuestra sed de absoluto, de lo que queremos ser y nunca alcanzaremos a ser.

La sobriedad del canto coral, ya desde una escena-prólogo en el ambigú del teatro reconvertido en una especie de sacristía, nos sumerge en una atmósfera de quietud y de serenidad espiritual que eleva el ánimo y lo predispone para el itinerario casi místico al que nos invitan los actores en la sala del teatro; un ceremonial profano o, en cualquier caso, de una religiosidad primitiva, arcaizante, previa a cualquier conceptualización dogmática, donde coexisten en perfecta armonía potenciándose mutuamente los cantos litúrgicos con la liturgia de los cuerpos en trance. Porque también hay una mística del cuerpo, un riguroso control del gesto y del movimiento al que sólo se puede llegar mediante una suerte de ascesis, de eliminación sistemática de las manifestaciones y gestos de un comportamiento “natural” en favor de un sistema de signos corporales y expresión facial rígidamente formalizados que funcionan como símbolos, del dolor, de la búsqueda, de las dificultades del itinerario, de la agitación, de la soledad, de la muerte. Y de la paz de la sepultura que le es negada al hombre que parece condenado a errar eternamente en las tinieblas.

El resultado es una sorprendente y sobrecogedora experiencia estética que certifica, afortunadamente, la pervivencia de un método de trabajo actoral exigente, riguroso como el que inauguró Jerzy Grotowski en su “teatro laboratorio”; una forma de entender y hacer el teatro que no es sólo una poética, sino una ética y hahttp://www.blogger.com/img/blank.gifsta una metafísica. Un modelo de esfuerzo, dedicación y compromiso que se merece todo nuestro aplauso y reconocimiento y que choca frontalmente con tanto espectáculo banal e intrascendente que nos venden como teatro.http://www.blogger.com/img/blank.gif

Gordon Craig.

Anhelli. La llamada. Teatro de la Abadía.

Gordon Craig en el Diario de Alcalá.

1000 razones para no dejar de leer. "El acuarelista en el matadero".

2011-11-02T08:40:00.005Z

"[Aleksandr] Deineka, en los primeros años treinta, había viajado por Estados Unidos, y luego por Francia e Italia. Sutilmente, cuando la atmósfera en la Unión Soviética se estaba volviendo más claustrofóbica, buscó refugio en esos paraísos a pequeña escala de sus ilustraciones casi infantiles, o en el recuerdo de los paisajes abiertos de América y del sur de Europa que no tenía ninguna seguridad de volver a ver".

Antonio Muñoz Molina, en Babelia, 22 de octubre de 2011.

Leer aquí el artículo completo.

Exposición en la Fundación Juan March de Madrid: Aleksandr Deineka (1899–1969) Una vanguardia para el proletariado: 7 de octubre 2011 – 15 enero 2012.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-10-31T08:46:00.002Z

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

TEATRO. Wild, wild, Wilde. "La estación del dolor".

2011-10-28T07:06:00.003+01:00

Texto de José Ramón Fernández a partir de la obra De profundis, de Oscar Wilde.
Con: Carlota Ferrer, Óscar de la Fuente y David Luque.
Dirección: Fefa Noia.
Madrid, Teatro de la Abadía, 23 de octubre de 2011.

“El sufrir es muy largo, y no puede dividirse por la estaciones del año. Para nosotros sólo hay una estación, la del dolor” escribe Óscar Wilde en De Profundis, para hacer referencia a la ineluctable rutina, a la paralizadora inmovilidad de la vida en prisión frente al presentísimo y lacerante recuerdo de una naturaleza pródiga que, allende los barrotes de la celda, fluye y sigue su curso, indiferente a la soledad y a la sensación de aniquilamiento que embarga al escritor; una sensación a la que trata de sobreponerse aferrándose desesperadamente a sus sentimientos hacia Alfred Douglas, su amante, y hacia sus hijos.

Pero esta es sólo una muestra de las muchas dolorosas reflexiones que nutren el texto de Oscar Wilde y que José Ramón Fernández ha espigado cuidadosamente para urdir la trama de esta pieza íntima y desoladora sobre los últimos años de la vida del escritor irlandés preso en la cárcel de Reading por una acusación de corrupción de menores. Aunque quizá habría que decir mejor esperanzadora, por lo que tiene de reivindicación del amor como remedio y como asidero último para combatir la privación de libertad, la incomprensión y el sufrimiento que arruinaron esos últimos años de la existencia de Wilde y que la obra que comentamos reproduce, yo creo que con bastante acierto; aunque, por razones obvias, no exima de visitar el texto original.

Tomando como punto de partida un encuentro fortuito en París del poeta Antonio Machado con Óscar Wilde ya excarcelado, José Ramón Fernández procede a presentarnos una sucesión de escenas en el interior de la prisión -un minimalista espacio delimitado por unos barrotes luminosos- en las que un Wilde prematuramente envejecido por efecto de la decepción y del sufrimiento, saca fuerzas de flaqueza para sobreponerse a la infamia y al oprobio. El formato es el de una confesión íntima trufada de delirios y evocaciones de algunas de sus obras, a lo que hay que añadir dos encuentros fundamentales que reproducen sendas visitas a la cárcel, una de su amigo Robert Sherard quien falla en el intento de que el escritor cambie de opinión sobre Bosie y otra de su mujer Constance, que le confirma su ruina y le anuncia, urgida por sus padres, la petición de divorcio.

La puesta en escena como digo es mínima y muy versátil, y el trabajo actoral es convincente. Carlota Ferrer es la responsable de dar vida a las diversas presencias femeninas que pueblan el universo real y de ficción de Wilde; Oscar de la Fuente es el amante, el amigo, el médico de la prisión y un ufano y obsequioso joven Antonio Machado, de aspecto un tanto pueblerino en el París rutilante de 1900. David Luque hace una conmovedora recreación de un Oscar Wilde bondadoso, comprensivo y apesadumbrado, lúcido y consciente de su talento de escritor, esforzándose por combatir el desaliento avivando los últimos rescoldos de su ironía y de su ingenio brillante.

Gordon Craig.

Teatro de la Abadía. Wild, wild, Wilde.

Gordon Craig en el Diario de Alcalá: "Entre bastidores".

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-10-26T17:46:00.002+01:00

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

1000 razones para no dejar de leer. El guardián entre el centeno.

2011-10-25T08:40:00.006+01:00

<< [Holden hablando con su hermana Phoebe sobre lo que le gustaría ser a Caulfield de mayor] Me gustaría si los abogados fueran por ahí salvando de verdad vidas de tipos inocentes, pero eso nunca lo hacen. Lo que hacen es ganar un montón de pasta, jugar al golf y al bridge, comprarse coches, beber martines secos y darse mucha importancia. Además, si de verdad te pones a defender a tíos inocentes, ¿cómo sabes que lo haces porque quieres salvarles la vida, o porque quieres que todos te consideren una bogado estupendo y te den palmaditas en la espalda y te feliciten los periodistas cuando acaba el juicio como pasa en toda esa imbecilidad de películas? ¿Cómo sabes tú mismo que no te estás mintiendo? Eso es lo malo, que nunca llegas a saberlo. >>

El guardián entre el centeno. J.D. Salinger.

TEATRO. Veinticinco años menos un día. "Por la senda de Mihura".

2011-10-21T07:11:00.003+01:00

De: Antonio Álamo.
Con: Richard Collins-Moore, Ana Fernández, Moncho Sánchez-Diezma, Joserra Leza, Ione Irazabal, Candela Fernández, Juanfra Juárez y otros.
Dirección: Pepa Gamboa.
Madrid, Teatro Español. 7 de octubre de 2011.

Afirmaba Miguel Mihura acerca del humor en una de sus últimas entrevistas: “Es lo más limpio de intenciones, el juego más inofensivo, lo mejor para pasar la tarde”. Me viene esta frase a la cabeza al repasar la divertida comedia que Antonio Álamo estrena en el teatro Español porque quizá sea eso mismo lo que han pensado muchos de los espectadores que llenaban el patio de butacas con la intención, probablemente, de evadirse por unos momentos de los efectos deletéreos de la crisis: “qué mejor que una buena comedia para pasar la tarde”. Y no andaban muy descaminados, porque hubo diversión y carcajadas a raudales, y ya se sabe que la risa es el mejor antídoto contra las tribulaciones.

Pero no es sólo una frase, un juicio de valor sobre la función del teatro lo que relaciona el montaje que comentamos con la obra de Mihura. Tras el sarcasmo y el bronco trazo expresionista de Los enfermos o la sátira mordaz de Yo Satán, o de Caos, Antonio Álamo (Córdoba 1964) endereza por la senda de una comicidad más inofensiva, podríamos decir, menos ácida, más bufonesca; entre la ironía y el gusto por la frase ingeniosa de Wilde -no en vano la obra tiene como referente a la sociedad británica-, y el humor de situación de Mihura basado en la brillantez de los diálogos, en el malentendido, en la comicidad verbal y en la concatenación de situaciones inesperadas, chuscas o decididamente absurdas.

La obra es una hilarante y disparatada parodia de algunos de los tópicos más conspicuos de la sociedad británica de la primera mitad del siglo XX. Hay por así decirlo dos tramas superpuestas aglutinadas por la voz e instrucciones de una suerte de regisseur que actúa como intermediario entre el público y los actores de la compañía. A los conflictos de la supuesta obra representada, The tea is ready, que desarrolla básicamente la historia de un adulterio, se superponen los de la representación misma, que constituyen la trama principal, las peripecias de los miembros de la compañía a lo largo de los veinticinco años de rodaje de dicha obra por los escenarios londinenses, con dos guerras mundiales de por medio y con la consiguiente transformación que la sociedad experimentó en tan dilatado periodo de tiempo.

Pepa Gamboa mantiene con pulso firme el ritmo trepidante de la obra y dosifica con sabiduría los efectos de una comicidad más y más acentuada hasta un final delirante. El patrón del teatro dentro del teatro, brinda a los actores múltiples oportunidades de lucimiento, mientras saltan de uno a otro de los planos del desarrollo de la acción. Todos ellos están convincentes en sus respectivos, a veces múltiples roles. Destaca, quizá, la cordialidad y el leve tono entre irónico y benevolente del Instructor (Richard Collins-Moore) y el dandismo de cartón piedra de Mr. Bond (Moncho Sánchez-Diezma). Y sobresalen, desde luego, Joserra Leza y Ana Fernández. La interpretación del primero en el papel de Rice (un supuesto espectador que tienen que sustituir a Mr. Apple en el papel de Howell en el tercer y cuarto acto de la pieza) es antológica, deslumbrado por los focos, paralizado por el pánico escénico, deambulando por la escena como un zombi mientras repite como un disco rayado su frase emblemática, es la viva imagen del ridículo y provoca la hilaridad general. Ana Fernández (Mrs Blake, que hace de Eva) despliega asimismo un notable arsenal de recursos de la comicidad más primaria para encarnar a un personaje híbrido entre la sofisticación un tanto envarada de una lady Howell de opereta y la actrihttp://www.blogger.com/img/blank.gifz que la representa, una prima donna quisquillosa y frívola que necesita de todas sus buenas artes para dar una apariencia de naturalidad en ese descacharrante acto tercero arriba mencionado y no sucumbir a la incredulidad y la estupefacción.

Gordon Craig.

Veinticinco años menos un día (The tea is ready!).

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-10-20T18:01:00.001+01:00

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1000 razones para no dejar de leer. El apocalipsis del capitalismo ya ocurrió en una isla del Pacífico.

2011-10-19T08:25:00.005+01:00

[...] "La minúscula república de Nauru fue uno de los países más ricos del mundo en los años 80, gracias a sus yacimientos de fosfato. Cuando se agotó la materia prima, el Estado entró en bancarrota. La isla optó entonces por convertirse en paraíso fiscal o bien un campo de refugiados al servicio de Australia. Hoy, es un desguace a cielo abierto. El periodista Luc Folliet narra en su libro 'Nauru. La isla devastada' el impacto de aquella riqueza extrema y la caída libre de la isla." [...]

Por David González, La Información, 18 de octubre de 2011.

Lea aquí el artículo completo.

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2011-10-17T14:29:00.002+01:00

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

TEATRO. Ejercicios de amor. "Con derecho a paella".

2011-10-14T07:09:00.003+01:00

Creación e interpretación de Àlex Cantó, Jesús Muñoz, Joan Collado y Pau Pons.
Compañía: El Pont Flotant.
Alcalá de Henares, Corral de Comedias. 2 de octubre de 2011.

Al titular así esta crónica sobre Ejercicios de amor, pudiera llegar a pensarse que lo único que persiste en nuestro paladar de invitados/espectadores a esta singular performance teatral-culinaria es el aroma del suculento arroz a la valenciana y el buqué del tinto joven de Requena con los que estos chicos de El Pont Flotant nos obsequian al final de la representación. Pero tengo que apresurarme a afirmar que esa impresión es errónea; en el estricto dominio de la teatralidad al uso el montaje proporciona múltiples ocasiones para el disfrute de los paladares -ahora sí, metafóricamente hablando- más exigentes. (Aunque tengo para mí que más de uno de los espectadores del domingo, debieron decidirse a pasar por la taquilla tras haber sido testigos ocasionales de los preparativos del ágape en alguna de las jornadas precedentes, a juzgar por la acumulación de curiosos en torno al recinto donde los elegidos participamos del espectáculo, del ritual, cabe decir, que siempre supone la preparación de una paella multitudinaria).

Error, de nuevo. Acabo de utilizar la expresión “teatralidad al uso” y tengo que matizarla para disipar equívocos respecto a la naturaleza de un espectáculo concebido justamente como ruptura de los patrones, digamos, convencionales de la teatralidad. Un montaje que recurre a un discurso heteróclito, caleidoscópico; suma de episodios autónomos unidos por un hilo conductor, a saber, la necesidad de amar y los subterfugios, tópicos y dilaciones que dejamos que se interpongan entre nosotros y el objeto de nuestro deseo, y que con demasiada frecuencia impiden que estos deseos se cumplan.

Siguiendo la acción, los espectadores se desplazan por distintos lugares del teatro y por el exterior del recinto en una suerte de ceremonial itinerante en busca de la atmósfera más adecuada para cada una de las escenas, desde el aula de Secundaria, donde un profesor “chupi way” intenta a toda costa empatizar con sus alumnos, al desván de las confidencias, donde, mediante el conocido juego de las prendas poder sincerarse y hacer realidad los primeros inocentes deseos de adolescencia. “Innocent when you dream” cantará precisamente un Tom Waits de voz cascada y cavernosa (espléndida imitación de Jesús Muñoz) mientras Joan Collado y Pau Pons, con Àlex Cantó como maestro de ceremonias, parodian una de estas tópicas y almibaradas ceremonias nupciales a las que son tan aficionadas los americanos en una improvisada capilla de Las Vegas. Una de las escenas, por cierto, más hilarantes de un montaje que en su conjunto rebosa vitalidad, humor y cercanía.

Aún con el trabajo extra de los técnicos y el personal de sala, improvisados guías por angostos pasillos y escaleras del teatro, no ha podido, en mi opinión,http://www.blogger.com/img/blank.gif tener mejor arranque esta nueva temporada en el Corral. Carcajadas a raudales y la grata sorpresa de asistir a un espectáculo novedoso, divertido y estimulante, con ingredientes de andar por casa y conducido por un elenco entusiasta que consiguió hacer de la participación mucho más que una mera figura retórica.

Gordon Craig.

Ejercicios de amor en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares.

1000 razones para no dejar de leer. Nace un nuevo periódico: "Vozpópuli.com".

2011-10-11T10:47:00.004+01:00

[...] "En estas condiciones, repito, lanzarse a publicar un nuevo medio en entorno tan adverso parece operación más que arriesgada casi suicida. El miedo, sin embargo, no es una visión del mundo, al menos para mí y para quienes conmigo se han embarcado en la aventura de Vozpópuli. Al margen de sus insoportables daños colaterales, las grandes crisis pueden ser también pantalanes desde los que procurar el salto a deslumbrantes oportunidades. Estoy convencido de que en los próximos tres o cuatro años se va a decidir el futuro de España para las próximas tres o cuatro décadas, quizá más, y que la capacidad de sacrificio y esfuerzo que los ciudadanos españoles, y no solo su clase política, sean capaces de desplegar para salir del hoyo en que nos encontramos marcará el devenir, hacía una libertad acomodada o hacia una lóbrega pobreza, de varias generaciones de españoles. No sé si los mejores, pero desde luego sí vamos a vivir los más intensos, apasionantes y dramáticos años de nuestra vida." [...]

Vozpópuli o el valor de ser libres y fiables, de Jesús Cacho en Vozpópuli, 10 de octubre de 2011.

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FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-10-06T09:09:00.001+01:00

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TEATRO. Tres años. "Chejoviana".

2011-10-03T14:29:00.007+01:00

de Juan Pastor, a partir de textos de Antón Chejov.
Con: Raúl Fernández, María Pastor, José Maya, José Bustos y Alicia González.
Dirección: Juan Pastor.
Madrid, Teatro de la Guindalera, 25 de septiembre de 2011.

A veces uno se siente inclinado a pensar si no serán los relatos y las piezas breves lo mejor de la producción de Chejov. Unos y otras nos revelan en un instante fugaz y raudo como el destello de un relámpago aspectos de la psicología de las personas, de sus afanes y de sus deseos ocultos para cuya comprensión cabal el común de los mortales necesitaría años de observación e introspección. De hecho, esta pieza de Juan Pastor que ahora estrena La Guindalera no es sino una sucesión de fulgurantes flashes, hilvanados a modo de recuerdos, de otros tantos momentos críticos en la vida de cinco personajes de inspiración chejoviana empeñados en la búsqueda infructuosa del amor y la felicidad. Es el particular homenaje del director de la Guindalera al dramaturgo ruso.

Aunque apenas conocemos detalles de la vida de Juan Pastor más allá de su labor como director teatral, es fácil reconocer, en la traslación de los personajes y de la trama a la sociedad de la España de los años treinta -que tanta afinidad guarda con la rusa de finales del siglo XIX que Chejov retrata-, un intento de recuperar su propia memoria personal sirviéndose del vastísimo anecdotario e idiosincrasia de unos personajes -de la obra en su conjunto-, de un autor que Juan conoce como pocos. Y hay que apresurarse a decir que la experiencia resulta divertida y estimulante.

Pero si la obra de Chejov inspira el argumento y los personajes de la pieza que comentamos; si chejoviana es también la mirada incisiva, benévola y un punto socarrona, que Juan Pastor proyecta sobre sus criaturas, no se nos escapa también la fructífera influencia de otro dramaturgo, el irlandés Brian Friel, inspirador de la multiplicidad de voces en la que se desdobla el discurso de los personajes y que se plasma en forma de reflexiones en voz alta, en juicios de valor explícitos, propios o ajenos, que entreverados con el diálogo dramático enriquecen con perspectivas insólitas o grotescas, la percepción que el espectador tiene del estado anímico de los personajes, de sus deseos o motivaciones.

La ambientación -incluido un sugerente espacio sonoro de Marisa Moro y Pedro Ojesto- es excelente, como lo es el trabajo de los actores. Alejandro, Julia y Paulina constituyen los vértices del triángulo amoroso sobre los que pivota la obra. Raúl Fernández borda los contornos de su personaje, Alejandro, un joven adinerado, descontentadizo y un punto filósofo, su falta de sentido de la realidad se compensa con creces con su bondad y su condescendencia; su carácter soñador y su propensión a la melancolía lo emparentan con el joven Treplev, de La gaviota, pieza con la que ésta que comentamos tiene muchas concomitancias. Paulina y Julia representa de algún modo a esas dos clases sociales enfrentadas en las obras de Chejov la de los seres útiles y la de los inútiles. Alicia González es Paulina, que pertenece a la primera de estas clases; es una joven inteligente, trabajadora y muestra en todo momento una activa resolución unida a ciertas veleidades de un feminismo avant la lettre; su actuación depara momentos de intensidad insuperables como la escena en la que, despechada, grita y zarandea a Alejandro echándole en cara su insensibilidad y su incapacidad para comprender su amor. En el polo opuesto está Julia (María Pastor) tan bella como caprichosa, su irresolución y su indolencia la arrastran a un matrimonio sin amor, al coqueteo con sus amigos y a un deseo vehemente de exprimir los placeres de la existencia hasta encontrar el equilibrio personal al abrigo de la voluptuosidad y la pasión. (¿Será eso la felicidad?). José Maya hace una estupenda recreación de Gregorio, también miembro de esta clase disipada y perezosa; es un funcionario de medio pelo, un bon vivant de moral acomodaticia, engreído y seductor. Su contrapunto es Jaime (José Bustos) más optimista, apasionado e impetuoso, quizá sea el único de todos que tiene verdadera confianza en el futuro y representa la esperanza de la superación.

Un montaje, en fin, de excelente factura, lleno de humor y de ironía; exquisito, brillante y conmovedor que nadie debería perderse.

Gordon Craig.

Teatro Guindalera. Tres años.
Crítica Gordon Craig en el Diario de Alcalá.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-09-27T11:03:00.002+01:00

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TEATRO. La reina de la belleza de Leenane. "Los inestables cimientos de la cordura".

2011-09-21T09:11:00.004+01:00

De Martín McDonagh.
Con: Maite Brik, Gloria López, Orencio Ortega y Pablo Gómez-Pando.
Dirección de Alvaro Lavín.
Madrid. Nuevo Teatro Alcalá, 14 de septiembre de 2011.

Obligada a una convivencia forzada con su madre anciana y achacosa en un lugar perdido de la Irlanda profunda, Maureen ve consumirse irremediablemente su vida en la soledad más absoluta mientras deja escapar sin poder evitarlo las escasas oportunidades de ser feliz le ha ofrecido su rutinaria existencia. Esas estampas bucólicas de verdes prados y profundos valles envueltos en la bruma que encandilan al turista ocasional desde las páginas de huecograbado de los catálogos de las agencias de viajes, con su promesa de equilibrio y felicidad, representan para Maureen justamente lo contrario; para ella, ese paisaje idílico al que asocia su vida de renuncias atada a una madre insidiosa y tiránica simboliza la negación de la vida y la pérdida de la libertad y de la cordura.

Referencias de orden político aparte -sobre la rivalidad de ingleses e irlandeses y la condición de parias de éstos últimos frente a la hegemonía inglesa- la obra de Martín McDonagh tiene sobre todo una dimensión social y humana; analiza con inusitada agudeza y penetración cómo la persistencia de determinados patrones culturales en las relaciones sociales y familiares en reductos cerrados y deprimidos económicamente pueden propiciar comportamientos anormalmente violentos y atrabiliarios y abocar a las personas a la crueldad y a la locura.

Se trata de una pieza muy bien construida y con un desenlace inquietante y aterrador que pone en evidencia los inestables cimientos de la cordura; buena adaptación, en general, de Vicky Peña (quien la protagonizó en los primeros 90 dirigida por Mario Gas), aunque, a veces, el marcado acento meridional de los actores -excepción hecha de Maite Brik- desvirtúa un tanto el registro coloquial y/o ciertas expresiones originarias de otras latitudes. Destila cierto aroma de thriller psicológico, sobre todo en el permanente chantaje moral que Mag ejerce sobre Maureen y preludia el humor negro y la truculencia que el autor desarrollaría en obras posteriores, como El hombre almohada, estrenada también hace varios años en Madrid.

Buen trabajo de dirección (quizá haya demasiados tés y demasiadas papillas), y creo que Álvaro Lavin ha captado la esencia del conflicto y el tempo de la acción, con sus clímax y las explosiones de cólera de Maureen, y con las largas pausas en que madre e hija estudian sus argucias, sus silencios y los sobreentendidos en los que es pródigo el texto de McDonagh. Y hay asimismo un solvente trabajo de actuación, sobre todo en el duelo protagonizado por los personajes principales. Maite Brik está espléndida en el papel de Mag, una vieja refunfuñona que bajo su voz apagada y su aparente desvalimiento esconde a una bruja egoísta y manipuladora que saca permanentemente de quicio de Maureen (Gloria López), una mujer que está empezando a sentir los estragos de la madurez y que es la viva imagen del despecho, de la frustración y de un rencor pacientemente incubado día tras día en un doloroso y callado proceso de renuncias, de mentiras, de negación de sí misma y de miedo a enfrentarse con la realidad.

Gordon Craig.

La reina de la belleza de Leenane. Teatro Nuevo Alcalá.

1000 razones para no dejar de leer. El tiempo y la modernidad.

2011-09-16T07:53:00.002+01:00

"Estamos tan pendientes de la prima de riesgo, de los mercados de capitales, de las encuestas, de lo que dice Rubalcaba, de las tonterías de Mourinho y del narcisismo del nacionalismo catalán que no tenemos tiempo de enterarnos de lo que nos pasa y por qué nos pasa".

Pedro G. Cuartango en El Mundo, 14 de septiembre de 2011.

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FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-09-15T08:45:00.000+01:00

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

1000 razones para no dejar de leer. La mezcla del pasado y el presente.

2011-09-13T08:35:00.004+01:00

[...] "a los novelistas nos cuesta igual una escena de masas en la Gran Vía de Madrid en los años cincuenta que un encuentro furtivo entre dos amantes en un prado, una conversación a gritos en un bar de copas de ahora mismo que una larga panorámica sobre los cambios en la vida de un pueblo a lo largo de varias generaciones. Y sin embargo nos ha faltado demasiadas veces y nos sigue faltando la capacidad de atención y de recuerdo necesaria para contar la historia más poderosa que tenemos, que no es la del puro pasado ni la del puro presente, sino la de la mezcla de los dos: el pasado lentísimo que parecía eterno y de pronto cambió a toda velocidad, casi de un día para otro; y el presente que tantas veces se nos vuelve conflictivo o difícil de comprender porque parece que un pasado sin remedio lo ahoga; y entre el uno y el otro la mezcla de lo que en cada tránsito se pierde y lo que se gana, entre lo valioso que no se supo conservar y se malbarató y lo sórdido que perdura como una especie de condena". [...]

Antonio Muñoz Molina, Babelia, 3 de septiembre de 2011.

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TEATRO. El Nacional. "La venganza del bufón".

2011-09-08T09:25:00.004+01:00

De: Els Joglars.
Con: Ramón Fontserè, Begoña Alberdi, Jesús Angelet, Enrique Sánchez-Ramos, Pilar Sáenz, Minnie Marx, Dolors Tuneu, Xavi Sais y Lluis Olivé.
Dirección: Albert Boadella.
Madrid, Nuevo Teatro Alcalá, 4 de septiembre de 2011.

La figura del bufón, la de ese personaje risible, de apariencia torpe e ingenua pero sagaz y dotado de la dosis necesaria de impertinencia para atreverse a decir las verdades del barquero, metáfora de la actitud burlesca del humilde ante los poderosos, es una figura que resulta muy grata a Albert Boadella, no es de extrañar por ello que haya elegido Rigoletto como referente de este espectáculo que se reestrena ahora en el Teatro Nuevo Alcalá, una pieza operística cuyo protagonista es precisamente un bufón.

Recreación de un montaje de 1993, El Nacional se articula básicamente en torno al mundo del teatro, y de la ópera en particular, e incorpora muchos de los temas y motivos recurrentes de las obras anteriores de Joglars. En esta ocasión el blanco principal de sus dardos envenenados es el estado actual de indigencia moral y artística a la que se ha llegado en la profesión teatral como consecuencia de la excesiva burocratización de los sistemas de producción con estructuras anquilosadas y supeditadas a los poderes públicos por vía de la subvención; tampoco son eximidos de la sátira tonante de Boadella el despilfarro y los desmanes cometidos en la escena nombre de una modernidad mal entendida, de las ansias desmedidas de experimentación y de notoriedad de directores engreídos y megalómanos o del feroz exhibicionismo de los actores.

La obra nos muestra el envés de la escena, la tramoya de un gran teatro de ópera venido a menos por la crisis; allí, entre las ruinas de una fastuosa escenografía de un estreno de tiempos pretéritos, con una troupe de indigentes, hampones y músicos callejeros reclutada por el viejo “Paganini”, Don José, anciano acomodador del teatro, se propone la ardua tarea de hacer que renazca de sus cenizas el viejo arte del bel canto. Mientras hace recuento de los restos del naufragio en busca de una partitura que se acomode a sus deseos, los fantasmas de un pasado de esplendor en forma de evocaciones musicales acosan a este pobre loco, le reafirman en su quimérico y quijotesco propósito y le dan fuerza para combatir la ignorancia, la desvergüenza y la indisciplina de este grupo de desechos humanos motivados por intereses ajenos al teatro y enzarzados en continuas pendencias.

Hay en el montaje ecos de la picaresca, de Viridiana, de Buñuel -en las trifulcas de los mendigos que acoge la protagonista movida por su espíritu caritativo-, y hay en el personaje de Don José una innegable impronta de Vasili Svetlovidov, el anciano actor de El canto del cisne, de Chejov, que tras haberse quedado dormido en el camerino después de la función del día, despierta cuando todo el mundo ha abandonado la sala y tiene que enfrentarse a solas al horror de la escena vacía. La originalidad del personaje de Don José (Ramón Fontseré), radica en su pasión por la ópera, en su crítica al “vedettismo” y a la egolatría del actor, en su reivindicación de un teatro más artesanal y en su repudio del realismo; movido por su obsesión antirrealista y llevado de su afán pedagógico de predicar con el ejemplo se aprovechará de la presencia en el teatro de un engolado y pedante redactor de El País o de un arquitecto municipal para hilvanar algunos de los episodios más chuscos y truculentos de la obra, marca de la casa, y exponentes, a la vez, de esa corrosiva sátira social y política a la que no es ajena ninguno de los montajes de Boadella y que el respetable espera con indisimulada impaciencia.

Gordon Craig.

Teatro Nuevo Alcalá. El Nacional.

1000 Razones para no dejar de leer: la derecha, la izquierda y la cultura.

2011-09-06T11:39:00.003+01:00

"Asqueado estoy de escuchar a mis colegas repetir que la cultura lo va a pasar fatal cuando llegue el PP. ¡Coño! ¿Es que acaso lo está pasando bien ahora? ¿Es que el PSOE y los otros partidos son inocentes de la catástrofe cultural que tenemos encima? ¿Acaso no encabezan los ayuntamientos socialistas la lista de morosos? ¿Es que en los feudos culturales de la izquierda no hemos visto mil y un casos de caciquismo, nepotismo, incompetencia en la gestión? Cada cual puede creer lo que quiera y votar a quien le de la gana, faltaría más. Pero quien diga que la cultura es de izquierdas y que se pone automáticamente en peligro con la presencia de la derecha está mintiendo". Ignacio García May, en El Cultural, 2 de septiembre de 2011.

Leer aquí el artículo completo en El Cultural.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-09-05T16:27:00.003+01:00

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

1000 razones para no dejar de leer: la perfecta compañía y la perfecta soledad.

2011-08-30T12:08:00.006+01:00

"Quien se aproxime a alguien que no le ha hecho ningún daño con el propósito de arrebatarle su perfecta soledad, que se pregunte antes si se siente con fuerzas de transportarle a una perfecta compañía y, si no se ve con esa capacidad, que, por favor, se abstenga, salvo casos de fuerza mayor". Javier Gomá. Babelia, 27 de Agosto de 2011.

Lee aquí el artículo completo.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-08-24T14:42:00.004+01:00

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen.

2011-08-19T07:51:00.002+01:00

Alberto Sen. Flickr.
Alberto Sen Fotografías.
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TEATRO. El chico de la última fila. "La pizarra vacía".

2011-08-17T09:10:00.003+01:00

De Juan Mayorga.
Con: Miguel Lago, Olaia Pazos Samuel Viyuela, Sergi Marzá, Rodrigo Sáenz de Heredia y Natalia Braceli.
La fila de al lado. Dirección: Víctor Velasco.
Madrid, Sala Cuarta Pared, 8 de julio de 2011.

Germán, profesor de lengua y Literatura en un instituto de Enseñanza Media, descubre una tarde, entre el montón de redacciones insulsas y chapuceras que está corrigiendo, la de Claudio, un alumno callado y tímido que parece haberse tomado en serio el trabajo de escritura. Juana, la mujer de Germán, con la que éste intercambia habitualmente impresiones sobre sus alumnos mientras está corrigiendo, cree que Claudio no es trigo limpio y que su redacción peca cuando menos de indiscreción, por descubrir aspectos demasiado íntimos de los “protagonistas” de su relato, los miembros la familia de un compañero suyo de clase. Pese a compartir las reticencias de Juana, espoleado por la íntima satisfacción -¿vanidad?- que le provoca haber encontrado a alguien que comparte con él la pasión por la literatura, Germán se sobrepone a los escrúpulos morales que le asaltan y alienta a Claudio para que siga escribiendo. Así se inicia una trama que se complica con las relaciones de Claudio con su compañero Rafael y con las interioridades de la vida de los padres de éste incorporadas a través de las informaciones que proporcionan las sucesivas entregas de Claudio. La acción avanza en varios frentes simultáneos según varias líneas de conflicto que se alimentan entre sí hasta formar una intrincada maraña en la que se ven implicados todos los personajes.

De estructura muy compleja, debido a la absoluta libertad compositiva de que hace gala el autor, la pieza es muy rica también desde el punto de vista temático y proporciona al espectador múltiples elementos para la reflexión, desde la dificultad de las relaciones de pareja a la vacuidad del arte contemporáneo pasando por el valor de la poesía o por cuestiones de orden más teórico sobre la relación entre literatura y realidad o sobre el proceso mismo de escritura. Pero sobre todos estos aspectos sobresale, sin duda, la peculiar relación que se establece entre profesor y alumno; cómo el primero se reconoce en el segundo y aspira a modelarlo a su gusto, a hacer de él alguien a través del cual superar sus propios errores y frustraciones. Por su parte Claudio se sirve también del profesor para sus propios fines y no duda en hacerle incluso chantaje para congraciarse con Rafael y ganarse la confianza de sus padres quienes le franquean el acceso a su casa y a su privacidad.

El montaje de Víctor Velasco logra a duras penas conjurar las dificultades de la puesta en escena de una pieza tan compleja; mal que bien, mediante un sistema de iluminación sectorializada -a base de múltiples flexos que se van encendiendo en distintos lugares al paso de los personajes, todos ellos presentes en escena-, consigue crear la ilusión de ese constante ir y venir de los personajes por espacios cambiantes, ese trasvase continuo de uno a otro plano de la narración al que aludíamos arriba. En cambio, en mi opinión, son contadas la ocasiones en que la puesta en escena revela la verdadera dimensión de esa conflictiva e inquietante relación que se establece entre profesor y alumno, de ese intento mutuo de manipulación del otro y las implicaciones de orden moral que tal conducta acarrea. Revela, a ratos, el lado cómico de las actitudes de los personajes y lo paradójico de su comportamiento, pero escamotea esa intensa sensación de peligro que trasmite Claudio cada vez que se dispone a traspasar la frontera de lo moralmente aceptable, ese hormigueo de placer un tanto enfermizo que experimenta Germán ante la osadía creciente de Claudio, o la sensación de suspense que transmite cada “continuará” con el que Claudio amenaza con invadir más y más en la vida privada de la familia de Rafa; percibimos asimismo de manera borrosa el desasosiego de Ester ante su intimidad vulnerada, la repugnancia creciente de Juana o la profunda humillación a la que Germán somete a Rafael, cuando tras corregir en público uno de sus trabajos de redacción delante de todos los alumnos va borrando del encerado todas las frases que contienen errores gramaticales hasta dejar la pizarra vacía.

El trabajo actoral es meritorio. Los personajes adultos quedan un tanto desdibujados en tanto que Samuel Viyuela y Sergi Maza tienen mayor credibilidad en su papel de adolescentes. Cabe decir, en fin, en honor a la verdad, que el público secundó con muestras de asentimiento las pullas y la ironía de Germán (Miguel Lago), rió algunas de sus frases ingeniosas y aplaudió con entusiasmo a la caída del telón.

Gordon Craig.

Sala Cuarta Pared. El chico de la última fila.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-07-08T08:12:00.003+01:00

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FOTOGRAFÍA. Alberto Sen.

2011-07-04T12:12:00.001+01:00

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TEATRO. Macbeth. "Poética tenebrista".

2011-06-30T08:30:00.006+01:00

De William Shakespeare.
Con: José Tomé, Pepa Pedroche, Óscar Sánchez Zafra, Javier Hernández-Simón, Tito Asorey, Belén de Santiago y Anabel Maurín.
Versión y dirección: Helena Pimenta
XI Festival de las Artes Escénicas “Clásicos en Alcalá”.
Alcalá de Henares. Teatro Salón Cervantes, 6 de junio de 2011.

Cuanto más nos acercamos a las obras de Shakespeare, sobre todo a sus grandes tragedias, más se acrecienta en nosotros la deprimente sensación de que son inabarcables. El foso que separa la hondura humana y la complejidad psicológica de los personajes de sus obras de la materialización escénica de tal complejidad en montajes concretos se agranda cada día, por eso es de agradecer que alguien consiga tender un puente levadizo que una esas dos orillas, que comunique esas dos realidades. El esfuerzo es doblemente meritorio si, como es el caso de Ur Teatro, se hace desde la iniciativa privada; entonces ya estamos hablando de un doble salto mortal sin red y no queda sino quitarse el sobrero, o el cráneo, que diría Valle-Inclan.

Luego está la cuestión de la oportunidad. Claro que el fatal itinerario del sanguinario Macbeth impulsado por su ambición desmedida nos concierne, Helena, porque Macbeth puede representar a un personaje individual, pero también es un símbolo, el símbolo de un monstruo, individual o colectivo (¿en qué estaría yo pensando cuando en repetidas ocasiones a lo largo de la representación creí entender País Vasco o Guipúzcoa cuando, obviamente, los personajes hablaban del usurpador del trono de Escocia?) que no desdeña ningún género de violencia por más abominable que parezca para conseguir sus fines, una pulsión de muerte y de destrucción, totalitaria, ante la que hay que estar siempre prevenido y sobre la que cualquier recordatorio es no sólo pertinente sino necesario.

Escribe Harold Bloom en La invención de lo humano, que esta pieza es la más “nocturna” de todas la de Shakespeare. Helena Pimenta también parece haberse dado cuenta de ello y adopta para su montaje una poética decididamente tenebrista, en la línea de Gutiérrez Solana o de los aguafuertes y las pinturas negras de Goya, sirviéndose para ello del claroscuro en la iluminación y de proyecciones en blanco y negro, excepcionalmente teñidas por el rojo de la sangre derramada. El recurso a los medios audiovisuales sustituye con ventaja a los decorados convencionales en la creación de esa atmósfera de pesadilla que impregna toda la historia y facilita la representación de las brujas o de los espectros de Duncan o de Banquo y sus hijos; tienen, asimismo, un papel multiplicador de los integrantes del coro -un recurso muy atinado, por cierto, que contribuye a dar al espectáculo un cierto aire operístico- resolviendo con pocos efectivos las escenas de masas, imposibles para una producción modesta, pero a veces se cae en la tentación de delegar en el universo virtual el protagonismo en la creación de imágenes que corresponden únicamente al potencial evocador de la palabra.

El trabajo de actuación y de dirección de actores es muy sólido y riguroso. El tempo, quizá algo rápido, nos impide disfrutar con calma la compleja evolución de las emociones; hay, en cambio, una rara coherencia entre le texto y la plástica del montaje, vestuario e iconografía incluidos, de una época indefinida de barbarie militarista que retrotrae a un imaginario ampliamente compartido por los espectadores. Pepa Pedroche es una espléndida lady Macbeth llena de energía y determinación, aparece poseída por la ambición desde que lee con avidez la misiva de su marido con la profecía de las brujas que espolea sus sueños de grandeza; expeditiva, malévola, distante, despierta nuestra conmiseración cuando aparece presa de la locura. Vibrante es la breve aparición de Lady MacDuff (Anabel Maurín) aterrorizada ante la inminencia de su trágico final a manos de los esbirros de Macbeth; ponderado es asimismo el trabajo de Óscar Sánchez en su doble cometido (Duncan/MacDuff) y el de Javier Hernández-Simón en el papel de Baquo a quienes prestan el continente solemne de la majestad, la mirada fiera del soldado o la desesperación y la rabia del marido y padre agraviados. José Tomé acomete el papel quizá más difícil de su carrera dando muestras de una notable madurez artística; recrea un Macbeth humano que transita desde la seguridad en sí mismo de un soldado fiero y leal, a las violentas emociones que lo trastornan tras mancharse las manos de sangre; un personaje dubitativo, presa del miedo, del desconcierto y de la confusión, sometido a cambios bruscos de humor, atenazado como está por los remordimientos y por las visiones del horror de las acciones criminales que ha cometido.

Gordon Craig.

Clásicos de Alcalá 2011.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-06-28T08:48:00.002+01:00

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

TEATRO. Los 7 pecados capitales. "Hacia el espectáculo total".

2011-06-24T07:14:00.004+01:00

De: Producciones Imperdibles.
Con: Antonia Zurera, Lucía Vázquez, Ivan Amaya, María José Villar y Juan Melchor.
Dirección: Gema López y José María Roca.
XI Festival “Clásicos en Alcalá”. Alcalá de Henares. Teatro Salón Cervantes. 2 de abril de 2011.

De alguna manera este espectáculo de Producciones Imperdibles con el que echa a andar la XI edición de “Clásicos en Alcalá” materializa el sueño de los grandes directores de escena de principios de siglo XX para quienes la verdadera forma dramática sólo se conseguiría cuando los distintos elementos expresivos que pueblan la escena pudieran fundirse en un todo coherente. El alto grado de desarrollo técnico que han experimentado la iluminación o los lenguajes multimedia ha facilitado mucho esa tarea, pero junto a sus conquistas, innegables, y evidentes en este montaje, ese empeño por conseguir el espectáculo total muestra también sus insuficiencias y la sospecha, de si no será éste en realidad un empeño quimérico. Sin ir más lejos, en el montaje que nos ocupa parece bastante evidente el predominio de los elementos plásticos y visuales -incluido el cuerpo del actor en movimiento- y de la música en detrimento del texto, que juega un papel meramente testimonial, por no decir redundante y, por consiguiente, prescindible.

Maximalismos aparte, y por ser justos con este espectáculo de Gema López y José María Roca, cabe recalcar que tiene muchas virtudes, si es que podemos hablar así de una obra que trata justamente de lo contrario, es decir, de los vicios -o “pasiones”, como les gusta decir a los autores-, que desde que el mundo es mundo tiranizan a los humanos. La primera de estas virtudes es el enfoque abierto y sin prejuicios desde el que se aborda esa reflexión, glosa, o como queramos llamarlo, sobre los tradicionalmente llamados “siete pecados capitales”, superando el tratamiento doctrinal o moralizante habitual en estos casos. Ya en el plano estrictamente artístico las virtudes de este montaje son si cabe más tangibles, empezando por la atinada elección de la música y terminando por la plétora de imágenes pictóricas que constituyen el soporte iconográfico, espeluznantes imágenes, por cierto, de las inquietantes alegorías de El Bosco o de Brueghel y de sus seres monstruosos y diabólicos que debieron de aterrorizar a sus coetáneos y que aún hoy conservan una fuerza devastadora.

Pero sin duda el mayor atractivo del espectáculo lo constituye la danza, o por mejor decir, cómo se articula el movimiento con el resto de elementos visuales de la escena. Los actores/bailarines (espléndidos, por cierto) no se limitan a evolucionar ante los fondos proyectados, sino que, bajo la intensa luz de los reflectores que potencia la plasticidad de sus movimientos, se funden con ese fondo de imágenes proyectadas, fijas o móviles, en una infinidad de modulaciones y tonalidades, que van desde la orgía de contorsiones y salpicaduras de sangre de la “Ira”, hasta la humorada cantinflanesca de la “Gula”, pasando por la suite galante de la desdeñosa dama del espejo en la “Soberbia” o por el pequeño prodigio de sincronía que constituye la coreografía que ilustra la “Envidia”, impecable simbiosis de las realidades física y virtual sobre un minimalista entorno de plataformas en varios niveles.

En fin, un espectáculo de magnífica factura, una mirada distinta, penetrante, a los clásicos y un homenaje a su impronta perdurable.

Gordon Craig.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-06-15T16:01:00.002+01:00

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TEATRO. Baile de máscaras. "Deslumbrante, arrebatadora".

2011-06-10T07:57:00.003+01:00

De: Mikhail Lermontov.
Con: Evgeny Kniazev, Maria Volkova, Leonid Bitchevin, Lidia Velezheva, Aleksey Zavialov, Mikhail Vaskov, Yuri Shilikov, Víctor Dobronravov y otros.
State Academic Vakhtangov Theatre. Dirección: Rimas Tuminas.
Escenografía: Adomas Yatsovskis.
XXVIII Festival de otoño en primavera.
Madrid. Teatros del Canal. 4 de junio de 2011.

Ignoro cuando adquirió carta de naturaleza el uso de la expresión coloquial “hacer teatro” con el sentido de simular, fingir o aparentar lo que no se es, aunque me temo que hace ya demasiado tiempo y que tal uso está demasiado consolidado para volver atrás. Digo esto porque tal asociación se me ha revelado súbitamente como algo dolorosamente injusto tras presenciar este espectáculo deslumbrante del State Academic Vakhtangov Theatre. ¡Hay tanta pureza y tanta teatralidad genuina en este montaje! Resultan tan transparentes los personajes, y la escenografía es de una belleza plástica tan arrebatadora, que no puedo imaginarme que nada de eso pueda asociarse con el engaño o con la mentira, aunque, paradójicamente, y cualquiera que haya visto el montaje puede corroborarlo, estemos ante una poética diametralmente opuesta al verismo naturalista.

En la tradición de los grandes directores de escena centroeuropeos de principios del siglo XX inaugurada por Appia o Craig, el lituano Rimas Tuminas interpreta el espacio escénico en clave simbólica, sintetizando en pocas pero poderosas metáforas -como la de la bola de nieve que crece y crece a la par de los celos que atormentan a Arbenin-, el universo emocional de unos personajes de inequívoca filiación romántica zarandeados por el destino y víctimas de sus pasiones y de una fatal concatenación de causas y efectos desatada precisamente por el intento de satisfacer sus apetitos o sus caprichos.

Pero aun siendo espléndida la puesta en escena en la que Tuminas despliega toda su potente imaginación creadora creemos que el mérito mayor del dirección está en el peculiar desplazamiento temporal de los sucesos y en la milimétrica dosificación de los clímax. En esta reescritura escénica del texto de Lermontov resultan cruciales la figura del criado de Arbenin (interpretado como “Winter Man”) y las breves escenas cómicas asociadas a su presencia y/o a las fantasmales apariciones del coro. Esa suerte de interludios burlescos, de un humor sencillo, casi ingenuo, ayudan a dosificar la tensión, salvaguardan la reserva de atención del espectador para que pueda dispensársela a los momentos álgidos del desarrollo de la acción, a la vez que subrayan irónicamente esa condición azarosa del devenir de los acontecimientos o preludian su fatal desenlace.

El trabajo de actuación es sencillamente portentoso. Hay en la construcción de los personajes un aporte de recursos expresivos -más allá de la mera gestualidad del rostro- a la que no estamos acostumbrados; sin excluir una adecuada dosis de psicologismo lo que predomina sobre todo es una racionalización del movimiento y de la expresividad corporal que nos retrotrae a Meyerhold y a su escuela, una depurada técnica de actuación que en manos de actores de probado talento como Evgeny Kniazev (Arbenín), Maria Volkova (Nina), Leonid Bitchevin (el PrincipeZvezdich), Lidia Velezheva (la Barones Schtral), y tantos otros, puede obrar auténticos prodigios y seducir al espectador más exigente.

Gordon Craig.

FOTOGRAFíA. Alberto Sen.

2011-06-08T08:52:00.000+01:00

Alberto Sen. Flickr.
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TEATRO. Estado de ira. "Sorprendente ejercicio metateatral".

2011-06-03T07:52:00.003+01:00

de Ciro Zorzoli.
Con: Pablo Castronovo, Carlos Defeo, Marina Fantini, Valeria Lois, Vanesa Maja, Cecilia Meijide, Dalila Romero, Diego Rosental, María Inés Sancerni, Gabriel Urbani y Diego Velázquez.
Dirección: Ciro Zorzoli.
Madrid, Teatro de la Abadía, 25 de mayo de 2011.

¿Cabe un argumento más pintoresco que el relato de las peripecias de una especie de comando de teatreros, abnegados servidores del arte de Talía, dedicados a la urgente tarea de reciclar actores en paro e instruirlos de un día para otro en las complejidades de un personaje dramático? ¿Y a quién le importa la verosimilitud o la bondad del argumento? En esta hilarante comedia de Ciro Zorzoli eso corre por cuenta de Ibsen, una de cuyas obras más conocidas se toma como pretexto para apuntalar el desarrollo de una acción destinada especialmente a explorar los límites de la teatralidad. Además, habría dado igual Hedda Gabler (protagonista de la obra homónima de Ibsen a la que nos referimos), que Nora Helmer, de Casa de muñecas o, ya puestos, Escarlata O’Hara, de Lo que el viento se llevó; eso sí hacía falta un personaje redondo, una de estas heroínas de rompe y rasga de la larga nómina de personajes femeninos egregios que ha creado el teatro accidental que ofreciera recorrido suficiente para que Valeria Lois, la protagonista indiscutible del pieza, pudiera desplegar todo su talento de actriz.

El montaje es el resultado de esa cada vez más acusada propensión de la dramaturgia contemporánea a revisitar textos canónicos persiguiendo unos objetivos no siempre loables y con pobres resultados en el plano artístico. Me apresuro a decir que no es ese el caso en el montaje que nos ocupa. Antes bien, esa búsqueda de la verdad, que fue santo y seña de tantos personajes en las obras de Ibsen, se transforma aquí de la mano de Ciro Zorzoli en la búsqueda de la verdad del teatro mismo, en una penetrante indagación acerca de la esencia misteriosa, paradójica, del trabajo del actor, articulada en forma de un brillante ejercicio metateatral.

Así que tenemos a Valeria Lois, que en la ficción representa a la diva crepuscular Ana María Farucci que, a su vez, es Hedda Gabler en el segundo plano de la ficción; pero igualmente a Vanesa Maja que es la extravagante y dipsómana Carmen Bottari, que es la obsequiosa y protectora tía Juli; o a Diego Velázquez, que es Eugenio Lamar, el factotun de esta peculiar trouppe de cómicos, que a su vez, en tanto que sparring de la Farucci se convierte a ratos en Jorge Tesman y a ratos en el atribulado Eilert Lovborg; y así sucesivamente con los restantes actores y actrices del elenco en un trepidante juego teatral de una comicidad desbordante a la que el público asiste entre alborozado y exhausto ante la plétora de signos que reclaman su atención simultáneamente desde los cuatro puntos cardinales del escenario.

Este delirante carrusel de cambio de roles sobre el que cabalga la acción principal de la obra, que a veces llega al paroxismo, no oculta una cruda sátira de fondo de la que nadie sale indemne. Empezando por la obra original de Ibsen de la que este montaje hace una lectura múltiple, ambivalente, y corrosiva, una lectura desmitificadora de los estereotipos retóricos e ideológicos que la sustentan. Pero la ironía y el sarcasmo se despliegan también, y sobre todo, me atrevo a decir, contra la actitud fría, distante, casi funcionarial, carente de un auténtico compromiso con el arte con la que un segmento no desdeñable de la profesión teatral se enfrenta a su trabajo cotidiano sobre el escenario. Desde este punto de vista, la última escena en la que se interrumpe sin contemplaciones el ensayo a falta de una escena porque ha terminado la jornada laboral y la imagen de la actriz en penumbra, desnudada casi a la fuerza por la encargada del vestuario, resulta particularmente reveladora y atroz.

El trabajo de Valeria Lois, como ya hemos dicho, es portentoso. Da vértigo seguir sus evoluciones en escena, seguida de sus acólitos. Seduce, divierte, irrita, emociona, pero sobre todo sorprende, a cada momento, con lo que parece un inagotable arsenal expresivo de poses, miradas y gestos, desde el más banal signo de aquiescencia hasta las más extrema manifestación de histrionismo. Pero no hacen un trabajo menos meritorio, los ya citados Vanesa Maja, Diego Velásquez, o María Inés Sancerni, Pablo Castronovo o Carlos Dofeo, todos bajo la espléndida batuta de Ciro Zorzoli.

Gordon Craig.

Teatro de la Abadia. Estado de Ira.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen.

2011-06-01T09:11:00.000+01:00

Alberto Sen. Flickr.
Alberto Sen Fotografías.
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TEATRO. Natasha’s dream. "El trémulo fulgor de la inocencia".

2011-05-27T07:56:00.005+01:00

De Yaroslava Pulinovich.
Con: Elena Gorina.
Meyerhold Theater Centre. Dirección: Shamil Dyikanbaev.
XXVIII Festival de Otoño en Primavera.
Madrid, Sala Cuarta Pared, 21 de mayo de 2011.

Lo creí en un primer momento y ahora, tras presenciar montajes como éste del Meyerhold Theater Centre, me reafirmo en la convicción de que trasladar a estas fechas preveraniegas el Festival de Otoño ha sido un error. Se argumentó en su momento que los espectáculos programados entraban en competencia con los estrenos de los teatros privados; y ¿qué hay de malo en la competencia? Además, ¿puede imaginarse qué inyección de entusiasmo y de ganas de ir al teatro, infunde sobre el ánimo el espectador que vuelve relajadamente de sus vacaciones estivales participar en una experiencia artística tan estimulante como la que constituye este montaje que se estrena en la Cuarta Pared?

Mas que nunca, el “espacio vacío” que reivindicara Brook se revela en esta puesta en escena como la matriz más pura y fecunda, genésica, del hecho teatral, de la representación reducida a sus términos esenciales. Cuatro paredes desnudas, que delimitan lo que podría ser la celda de aislamiento de un reformatorio, y en ese espacio angosto y oscuro, una joven, casi adolescente, desgranando entre el temor y la exaltación la historia de su vida. He ahí todo lo que se necesita para hacer teatro; cuando el texto es incisivo, el director riguroso y la actriz posee talento, claro, requisitos que satisface cumplidamente el espectáculo del que hablamos.

Respecto a la historia, el crudo relato en primera persona del despertar de la pubertad y de la pérdida de la inocencia de la protagonista, una joven y rebelde huérfana recluida en un reformatorio, cabe decir que es estremecedora, y lo que resulta todavía más perturbador, de un rigurosa y casi hiriente actualidad. En el texto alternan la confesión íntima de los deseos y temores de Natasha, de sus sueños y de su desesperación, con el reproche acerbo a una sociedad anestesiada, insensible e indiferente al dolor ajeno. El trabajo de actuación es, sin reservas, admirable y denota una extraordinaria madurez artística en una intérprete, Elena Gorina, que apenas cuenta con 25 años. Desde que aparece en escena acurrucada en un rincón del escenario como un animal indefenso hasta la explosión de rabia y despecho con la que termina la obra, su figura frágil, su cuerpo en tensión, con movimientos ágiles como los de un felino dispuesto a saltar sobre su presa, la dureza de sus facciones y su expresión temerosa y de infinita tristeza, como las de alguien a quien le ha sido negada la ternura, desatan inmediatamente en el espectador un torrente de compasión y de congoja que se te aloja en algún lugar entre el corazón y la garganta y que no te abandona durante toda la representación, una angustia que apenas se relaja en los momentos en que la mirada de Natasha se ilumina transformada por el fulgor de un recuerdo placentero o cuando se permite soñar con la felicidad.

Una eficaz y magníficamente sincronizada trascripción de los subtítulos en castellano permite que podamos seguir sin mayores dificultades el hilo del discurso mientras disfrutamos del fraseo elegante y de la exquisita modulación de la voz de una actriz de excepción capaz de desvelar los más secretos registros y variaciones tonales del idioma original.
Una experiencia intensa, un espectáculo austero, grandioso en su pequeñez.

Gordon Craig.

FOTOGRAFÍA. Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta.

2011-05-24T08:59:00.005+01:00

Pequeñas fotografías con mi Pentax Optio compacta. Dr. Brigato.

TEATRO. Las más fuertes. "Dos mujeres al desnudo".

2011-05-24T08:50:00.003+01:00

De Eusebio Lázaro.
Con: Ana Marzoa, Yolanda Ulloa, Eusebio Lázaro y Nazareth Vázquez.
Dirección: Eusebio Lázaro.
XXVIII Festival de Otoño en Primavera.
Madrid. Teatro Fernán Gómez. 13 de mayo de 2011.

Dos obras operan como referente de esta pieza dual de Eusebio Lázaro. De manera más explícita la cuasi homónima La más fuerte, de August Strindberg; de hecho, la primera parte se articula en torno a las desavenencias que se desencadenan entre un director teatral y la actriz, su pareja en la vida real, precisamente durante el periodo de ensayos de la obra del dramaturgo noruego. De un modo no tan evidente, o inmediato, si se prefiere, no dejan de manifestarse en la segunda parte de la obra (El premio) ecos de la honda y sombría reflexión sobre la condición del actor y sobre la naturaleza misma del teatro que lleva a cabo Chejov en El canto de cisne. El resultado es una obra que carece de unidad orgánica, incapaz de superar las dificultades que plantea el mestizaje de dos argumentos disímiles unidos exclusivamente por la circunstancia de que las protagonistas son dos actrices.

Vida y teatro, realidad y ficción, y las siempre difíciles relaciones entre los hombres y las mujeres dentro y fuera de la pareja, como marido y mujer, como director y actriz, ...: la eterna lucha estrindberiana por el poder; la condición del actor/actriz, el éxito, el fracaso, el reconocimiento, ... múltiples temas, en fin, que se acumulan de manera un tanto atropellada, vehemente sin duda, en un mare mágnum tras el que se adivina veladamente el deseo de ajustar cuentas con la profesión a la vez que se rinde homenaje a un autor muy querido y que se ofrece la posibilidad de unir en un mismo espectáculo a dos actrices de excepción: a Yolanda Ulloa y a la veterana Ana Marzoa.

En última instancia, frente a un texto demasiado cargado de ideas, de tesis, -aunque esconda aquí y allá, todo hay que decirlo, momentos de indudable valor dramático-, es el trabajo magnífico de estas dos actrices lo que salva el espectáculo. Dos mujeres valerosas, rebeldes, que desde etapas distintas de su vida y de su carrera artística se enfrentan a los mismos problemas, al único problema, cabría decir, de desentrañar el enigma de su identidad femenina en un mundo de hombres que todavía se resiste a mirarlas como a sus iguales. La respuesta de la primera, (la actriz encarnada por Yolanda Ulloa) es más lúcida, más cerebral la de una mujer entrando en la madurez, capaz de controlar sus emociones, que termina triunfando por su cuenta tras lograr superar la dependencia de su pareja. La respuesta de la segunda, la de una actriz en la recta final de su carrera a quien da vida Ana Marzoa, es la de una mujer más temperamental, más emotiva y que ha tenido que pagar un alto precio por su independencia para consagrarse a la pasión de su vida: la actuación; cuando por fin llega el reconocimiento, el premio, recuerda la indignidad y las humillaciones que ha tenido que sufrir por llegar a la cumbre y reacciona con una mezcla de desprecio y resentimiento hacia todo y hacia todos: los miembros de la profesión, el público, las instituciones. Sublime en su representación de la soledad, en el rescate de sus recuerdos, en su sarcasmo (¡y en la evocación de Ifigenia!), se desliza un tanto por la senda del histrionismo en un final de fiesta, frente al atril, quizá un tanto exagerado y grotesco.

Gordon Craig.

TEATRO. Tercer cuerpo (La historia de un intento absurdo). "Cruel y tierna".

2011-05-11T08:33:00.004+01:00

De Claudio Tolcachir.
Con: Melisa Hermida, Daniela Pal, José María Marcos, Hernán Grinstein y Magdalena Grondona.
Teatro Timbre 4. Dirección: Claudio Tolcachir.
Madrid. Naves del Matadero. 6 de mayo de 2011.

Cualquier arte se encuentra profundamente enraizado en la realidad social de la que surge y de la que se nutre, pero ninguno de manera tan inmediata como el teatro. En la situación de profunda crisis política, económica y social por la que ha atravesado Argentina en los últimos lustros era previsible, casi inevitable podríamos decir, la emergencia de un teatro que diera respuesta precisamente a esa crisis moral y existencial. Un teatro de resistencia, alternativo e independiente, que ha cuajado en múltiples experiencias de índole comunitaria de las cuales este montaje de Claudio Tolcachir que se repone ahora en las Naves del Matadero es una muestra significativa.

Tras cuatro años de éxito de La omisión de la familia Coleman (estrenada en 2005) el montaje que comentamos sigue por la misma senda de acercamiento a una realidad marcada por la extrema penuria económica y por la desintegración de la identidad individual y social. De nuevo el mismo desangelado panorama de angustia e incertidumbre, sólo que ahora, la acción no se desarrolla dentro del reducto familiar sino en una destartalada oficina, un negociado perdido de la administración del estado donde tres funcionarios de un cuerpo probablemente a extinguir luchan por la supervivencia mientras comparten sus inquietudes y su soledad con una pareja cuya relación está al borde del colapso. Son cinco trayectorias vitales cuyos caminos en apariencia divergentes vendrán a encontrarse ineluctablemente al final de la obra como si fueran víctimas de un destino caprichoso y cruel.

Bajo el barniz de optimismo, cordialidad y buen humor, enseguida descubrimos la inseguridad y los temores de los personajes, y sus anhelos y frustraciones, que poco a poco, a medida que la acción se desarrolla, van ocupando un lugar preeminente revelándonos a unos seres indefensos y terriblemente necesitados de amor y comprensión. Héctor (José María Marcos), en su reciente orfandad parece el más desvalido de los tres; su coquetería súbitamente rejuvenecida ante la atención que le dispensa su sobrino Manuel resulta patética. La jovialidad de Sandra (Melisa Hermida) y su actitud comprensiva y conciliadora a duras penas ocultan la profunda herida de su maternidad frustrada y su tristeza y su amargura; el carácter extrovertido de Mónica (Daniela Pal), su presencia de ánimo y su activa resolución no la hacen inmune tampoco a los zarpazos de la soledad.

Se trata de un texto ingenioso y muy bien construido, con diálogos ágiles, muy vivos, de una rara espontaneidad, interrumpidos ocasionalmente por silencios terribles, más elocuentes si cabe que las palabras, vivificados por unos actores en estado de gracia que hacen un trabajo formidable. Y es que es quizá en lo no dicho, en los silencios, en las miradas, en la escucha, en esos segundos que preceden al habla en los que ya el gesto preludia lo que las palabras sólo vendrán a corroborar o a desmentir, donde se halla la clave y cifra del trabajo de un actor, la medida de su talento.

Una pieza, en fin, inteligente, jocoseria, sutil, caracterizada sobre todo por la proximidad y la cercanía, donde todas las barreras -léase el artificio de una falsa teatralidad- entre el actor y el espectador han sido suprimidas para que este último pueda relajar sus defensas, bajar la guardia y dar rienda suelta a sus emociones.

Gordon Craig.

Tercer Cuerpo. Naves del Español.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen.

2011-05-09T14:30:00.001+01:00

Alberto Sen. Flickr.
Alberto Sen Fotografías.
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TEATRO. Creo en Elvis. "I can’t help falling in boredom".

2011-05-06T07:54:00.004+01:00

De Mariano Rochman.
Con: Belén Quirós, Manuel Gancedo, Rafael Delgado, Darío Paso y Alberto Vázquez.
Dirección: Mariano Rochman.
Madrid, Sala Cuarta Pared, 29 de Abril de 2011.

Permítaseme parafrasear el título de una de las más celebradas canciones de Elvis Presley, la dulce I can’t help falling in love, para confesar que anoche I couldn’t help falling in boredom, sí, no pude sustraerme al aburrimiento presenciando esta delirante comedia de Mariano Rochman en la que fantasea acerca de la disparatada idea de la clonación del cantante antes de su muerte con la intención de multiplicar sus conciertos y la recaudación por taquilla.

Es cierto que, a raíz de la muerte del cantante en aquel aciago 16 de agosto de 1977, el fervor de sus admiradores incondicionales ha agrandado la figura del hombre y del artista -excelente, por otra parte-, hasta elevarlo a la categoría de mito, de figura de leyenda sobre la que circularon las más fabulosas especulaciones alimentadas por la imaginación y por el morbo. Nada que objetar, por tanto, a la idea de poner en pié una obra desarrollada a partir de ese fabuloso anecdotario. El problema está en cómo se articula dramatúrgicamente dicho material para que personajes y desarrollo de la acción resulten creíbles y los diálogos siquiera medianamente convincentes.

Porque ¿cuál es en realidad el objetivo que se propone el autor? ¿Satirizar el desmedido afán de lucro de las multinacionales del espectáculo? ¿Advertir de los peligros de un desarrollo descontrolado de las técnicas de clonación de seres humanos? ¿Parodiar la mitomanía fetichista o idólatra que subyace en el comportamiento de los miles de admiradores de estos nuevos mitos de la contemporaneidad (comportamientos inmunes, por cierto, a cualquier intento de explicación racional)? o plantear una reflexión de fondo sobre las diversas actitudes vitales ante el fenómeno inexplicable de la creencia. Muchos y disímiles asuntos, a todos los cuales se alude a lo largo de la obra, pero a modo de tentativa, mientras el trabajo especifico de investigación sobre el paradero de Elvis a cargo de este pintoresco destacamento de clones capitaneados por la directora operativa Cero, apenas avanza, o lo hace de manera renqueante y difusa.

Pasados los diez o quince primeros minutos en los que tiene lugar la presentación de los personajes -cuatro estrambóticos remedos del ídolo del rock de patillas exageradas y tupe engominado-, que nos entretienen con el relato de sus primeras y extravagantes experiencias, como la de “2” en Osaka, o las de “4”, camuflado en traje de enfermera, la obra se estanca en la indefinición, basculando entre las burlas permanentes a “1” y los repetidos e infructuosos intentos de “3” de conseguir su carta de libertad, sofocados por respuestas cada vez más contundentes de Cero ante la pasividad o connivencia de “2” y de “4”. Te mantiene pegado a la butaca una sola expectativa real de disfrute: el que en algún momento sonarán de nuevo Love me tender, Please don’t stop loving me, Don’t ask me why o cualesquiera otra de las extraordinarias melodías de Elvis para despertarnos del sopor y para volver a sentir ese placentero estremecimiento que provoca la magia de su voz prodigiosa.

Gordon Craig.

Teatro Cuarta Pared. Creo en Elvis.

TEATRO. Veraneantes. "Divertida y corrosiva radiografía de nuestro tiempo".

2011-04-20T08:35:00.007+01:00

Texto de Miguel del Arco a partir de la obra de Máximo Gorki.
Con: Bárbara Lennie, Israel Elejalde, Miriam Montilla, Raúl Prieto, Miquel Fernández, Lidia Otón, Manuela Paso, Elisabet Gelabert, Cristóbal Suárez, Chema Muñoz y Ernesto Arias.
Dirección: Miguel del Arco.
Madrid, Teatro de la Abadía, 15 de abril de 2011.

Veraneantes, de Gorki, describe a un grupo terratenientes y altos funcionarios de la Rusia de principios del siglo XX durante las semanas de su retiro estival en una mansión campestre en la que se han recluido para combatir el aburrimiento y los rigores del clima estepario. Sin preocuparse demasiado por construir una trama especialmente elaborada nos ofrece una sucesión de escenas asiladas que representan el fluir de esa vida disipada y ociosa. Fino observador de la realidad de su tiempo, a lo largo de dichas escenas sólo en apariencia inconexas, el autor alcanza a descubrir el verdadero sentido de unas vidas, en general vacías, varadas en la reiteración de unos rituales sociales marcados por el convencionalismo y el tedio y por un anhelo inconcreto de cambio, de transformación.

La versión de esta pieza que estrena ahora Miguel el Arco presenta el equivalente de aquellos personajes un siglo después. Quienes ahora ocupan el vértice de la pirámide social bien por méritos propios, como Raúl, o quienes han crecido a la sombra del poder como parásitos y aduladores como Miquel o Ernesto, sestean en chanclas y en bermudas, flirtean con sus congéneres de sexo opuesto con más descaro e insolencia o atienden sus compromisos por medio del teléfono móvil pero son tan fatuos e infelices como aquellos y están igual de insatisfechos con ellos mismos; más, si cabe, carentes de la más mínima expectativa de cambio histórico -que se percibía en el ambiente de los albores del siglo XX y que podían intuir los personajes de Gorki-, y agobiados por la pesada losa que supone la constatación del estrepitoso fracaso de la última posibilidad de la utopía. De ahí esa permanente necesidad de evadirse de la realidad cotidiana, esos intentos desesperados de dejar atrás las preocupaciones y las frustraciones recurriendo a la bebida, al juego, a las fiestas y a la cháchara interminable trufada de chanzas, invectivas y maledicencia.

Para mostrar esa feria de las vanidades, esa desvergonzada exhibición de cinismo, vacuidad y desprecio por la dignidad humana Miguel del Arco cuenta con un equipo artístico de excepción, empezando por Eduardo Moreno que firma una sencilla y versátil escenografía y terminando Arnau Vila autor de una espléndida y desenfadada ambientación musical que afianza el ambiente lúdico y de desenfreno con el que tratan de ahogar sus penas los personajes mientras parodia de manera inmisericorde toda una generación de horripilantes “canciones del verano”. Papel aparte juega -nunca mejor dicho- el trabajo de los actores, que se entregan con pasión y energía desbordante al sutil juego de las apariencias que les propone del Arco. Y a fe que trasmiten, desde una arriesgada disposición central de la escena, y en un verdadero têt a têt con el público que los circunda, la vehemente defensa de sus ideas, la pulsión irreprimible del deseo, el sarcasmo, la ira, el desprecio y todo un variadísimo repertorio de sentimientos y de emociones excitadas por un clima de libertad sin trabas y por el calor sofocante del verano. El de Varia es quizá el papel más destacado y difícil de la obra, el de una mujer inestable y un tanto perdida, varada entre la angustia y el desconcierto que Bárbara Lenny resuelve con gran acierto. Omnipresente en escena en su rol de anfitriona, concita en torno a sí todos los conflictos que atenazan al resto de personajes: los desahogos y el histerismo de Mirian (Miriam Montilla), su criada y compañera; las extravagancias de su neurótica cuñada Lidia (Lidia Otón); la falta de escrúpulos y intemperancia de su despótico marido (Israel Elejalde); las proposiciones indecorosas del engreido Cristóbal (Cristóbal Suárez); las consecuencias indeseadas del carácter impetuoso y alocado de su hermano Miquel (Miquel Fernández) o el patético comportamiento de quien había sido su héroe de juventud, el famoso novelista Shamilov/Ernesto (Ernesto Arias), que hace un trabajo memorable para dar vida a este paternalista y desencantado escritor que ha perdido la fe en sí mismo y en el lenguaje. Y todavía quedan actores no citados que hacen un trabajo espléndido también, el de la pareja formada por Elisabet Gelabert y Raúl Prieto, amigos de la familia, un matrimonio lo que se dice “bien avenido” que no deja de martirizarse durante toda la obra, él con su comportamiento atrabiliario y violento y ella con su actitud provocadora y desvergonzada y en fin, last but no least, una Manuela Paso en estado de gracia particularmente convincente en su exhibición de una pureza de espíritu, una altura de miras y una superioridad moral que están muy lejos de confirmarse cuando se somete convenientemente a prueba.

Planteando temas de ayer y de hoy, con un ritmo frenético y una tensión e intensidad dramáticas que no decaen durante las más de dos horas y media que dura el espectáculo, con escenas hilarantes y otras de una crudeza y de una crueldad aterradoras, todas ellas magistralmente resueltas, este espectáculo brioso y exuberante de Miguel del Arco nos reconcilia con el teatro y con la profesión actoral, base y fundamento de esta hermosa actividad tan antigua como necesaria. Nadie debería perdérselo.

Gordon Craig.

Teatro de la abadía. Veraneantes.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen. Hotel Capitol, Gran Vía, Madrid.

2011-04-19T15:53:00.001+01:00

Alberto Sen. Flickr.
Alberto Sen Fotografías.
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TEATRO. XV Feria de teatro de Castilla-La Mancha. "Variedad de propuestas y gran calidad de los espectáculos".

2011-04-13T08:27:00.004+01:00

Puertollano.
Gordon Craig. Enviado especial.

Con más de 20 espectáculos en escena la variedad y la calidad de los montajes son quizá las característica más destacadas de esta decimoquinta edición de la Feria de Teatro de Castilla-La Mancha que se ha celebrado la semana pasada en la localidad manchega de Puertollano organizada por la Consejería de Educación y Cultura de la Junta y con dirección artística de Andrés Beladíez. Teatro y danza moderna a partes iguales, con prevalencia de compañías de la región y nacionales en el caso del teatro y de compañías extranjeras en el caso de la danza entre cuyos montajes hemos podido asistir varios estrenos absolutos en España.

El Teatro delle Ariete, de Bolonia (Italia) constituye quizá la propuesta más radicalmente innovadora. En Matrimonio de invierno, Stefano Pasquín y Paola Berselli nos sientan a la mesa de su cocina y nos invitan a comer mientras comparten con nosotros en la más estricta intimidad (un aforo máximo de 18 personas) los recuerdos de veinte años de su vida en común en el valle de Ariete donde tiene la granja en la que cuidan de la tierra y de sus animales. Se trata de un ritual casi eucarístico, donde junto al pan y al vino compartimos un modo de vida, una manera de ser y estar ante la naturaleza, de vivir y gozar y sufrir con ella, de sus ritmo y de sus ciclos, y del paso inapelable del tiempo ... Los peces no vuelan, de la compañía La mona ilustre nos ofrece una no menos extraordinaria experiencia teatral: en una suerte de museo del tiempo, la ensoñación y la fantasía se funden con el más crudo realismo para ofrecernos tres historias en una, tres historias terribles de incomprensión y sueños rotos pero tratadas con una carga enorme de humor e ironía. Poesía del gesto y de los objetos, un meticuloso trabajo de composición y un portentoso trabajo actoral.

Para los amantes del humor de trazo grueso hay un espectáculo musical sui géneris del Teatro de Malta, Absurdo ma non troppo, con guiños al universo del clown y al de la chirigota. A través del misterioso poder evocador de la máscara nos llega la vívida reflexión sobre la decrepitud y la muerte de Kulunka Teatro, con su André y Dorine. Y desde luego, hay una nutrida representación de producciones de espectáculos de teatro para niños, desde Cáscaras, de A priori Producciones, en clave de comedia del Arte pasando por La noche, un poético acercamiento a los miedos infantiles de Ultramarinos de Lucas, hasta la sugerente Nou, de la compañía Mariantònia Oliver, en clave circense y llena de música, de acrobacias y de números de prestidigitación.

La danza merecería capítulo aparte y representa, salvo las excepciones ya citadas, el verdadero plato fuerte de la feria. No me resisto a citar al menos tres montajes: el de la compañía colombiana L’explose, que dirigida por Tino Fernández y compuesta por un elenco de bailarines de varios países europeos e hispanoamericanos presenta En otra parte, un espectacular montaje sobre la confrontación y el desarraigo inherente al choque de culturas. El Tao Te, de Ferenc Feher, de Budapest, una iluminadora simbiosis de “street dance” y artes marciales o la desasosegante Rites, de los ingleses Kevin Edward Turner y Anthony Missen, una brutal y a la vez conmovedora exploración sobre los límites de la identidad masculina.

Gordon Craig.

Feria Teatro de Castilla La Mancha.

ARTE. Exposición de Beatriz de las Heras: "Spring Art".

2011-04-10T16:47:00.004+01:00

Exposición de Pintura: “Spring Art” de Beatriz de las Heras.
Centro Cultural Blas de Otero.
Paseo de Guadalajara 12, San Sebastián de los Reyes, Madrid.
29 de abril - 12 de mayo de 2011.

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TEATRO. American buffalo. “Business is business” o la moral de los negocios.

2011-04-06T08:24:00.004+01:00

De: David Mamet.
Con: Ivan Benet, Pol López y Marc Rodríguez.
Dirección: Julio Manrique.
Alcalá de Henares. Corral de Comedias. 2 de abril de 2011.

Todos clamamos por la integridad moral, por la ética en los comportamientos tanto públicos como privados, hasta que esa rectitud se cruza de frente con la línea no tan recta de nuestros intereses. En otras palabras, cuando de negocios se trata la moral resulta cuando menos molesta y hay que dejarla a un lado. Eso es precisamente lo que le ocurre al pacífico Donny Dubrow, protagonista de la obra que comentamos y propietario de una astrosa tienda de compraventa de objetos usados en un barrio marginal de Chicago, cuando cree haber sido timado por un comprador ocasional en una reciente transacción.

El objeto en cuestión resulta ser una vieja moneda de plata con la efigie de un búfalo americano en una de sus caras por la que el comprador le ha ofrecido una suma inusualmente elevada. Esto hace sospechar a Don que dicha pieza posee un valor mucho mayor y traza un plan para robársela. Para ello va a servirse de Bob, un joven yonki medio sonado que anda sin blanca y de quien Don está intentando hacer un hombre de provecho, y de su amigo y cómplice Teach, un tipo desequilibrado, irascible y sin principios a quien nadie parece tomar en serio. Tres pobres diablos en suma, agitados por un repentino frenesí de codicia, pero que se rebelan incapaces ni siquiera de fraguar un plan coherente para llevar a buen término el robo mientras consumen sus menguadas fuerzas e inteligencia en interminables disquisiciones de orden práctico y en vacuidades sobre la lealtad, la amistad o los negocios. De hecho se trata de una trama exigua que se sustenta justamente en la sorprendente espontaneidad y el carácter rabiosamente coloquial de los diálogos (que suponemos habrán dado más de un quebradero de cabeza a la traductora); diálogos inanes, por otra parte, desde el punto de vista de su contenido, reiterativos y llenos de tópicos, tributarios en cierto modo de la poética del absurdo.

Julio Manrique dirige con buen tino a los actores y demuestra tener un buen oído para el ritmo de la obra; un ritmo preñado de contrastes, de momentos pausados, de silencios y de explosiones de cólera en los clímax. Hay asimismo un sólido trabajo de actuación siendo Ivan Benet (Don) y Marc Rodríguez (Teach) quienes tiene mayores oportunidades de lucimiento, sobre todo el segundo, cuyas frases ininteligibles, su suspicacia, sus accesos de ira, o sus caídas repentinas en la autoflagelación, en la melancolía, o en un ensimismado abatimiento dan el perfil exacto de un neurasténico.

Con humor cortante y corrosivo que no da tregua al espectador, Mamet nos presenta en el fondo una crónica sobre la degradación. Como ha dicho algún crítico, estos tres ladrones fallidos, cada uno a su manera, no son sino el subproducto de la tan extendida creencia americana en la libre empresa; tres víctimas en las cuales, a poco que miremos a nuestro interior, podríamos llegar a reconocernos.

Gordon Craig.

Corral de Comedias: American Buffalo.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen.

2011-04-04T08:56:00.002+01:00

Alberto Sen. Flickr.
Alberto Sen Fotografías.
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TEATRO. La lengua en pedazos. "Celebración de la palabra".

2011-03-30T14:38:00.004+01:00

De: Juan Mayorga.
Lectura dramatizada a cargo de Clara Sanchis y Pedro Miguel Martínez.
Compañía: La loca de la casa. Dirección Juan Mayorga.
Madrid. Salón de actos del Ateneo de Madrid. 26 de marzo de 2011.

El pasado sábado 26, dentro de la programación extraordinaria de “La noche de los teatros” tuvo lugar en el Ateneo madrileño una lectura dramatizada de la obra de Juan Mayorga La lengua en pedazos. Basada en el libro de la Vida, de la religiosa carmelita, la obra recrea, en palabras del propio autor, “un combate entre un guardián de la Iglesia, el inquisidor Salazar, y una monja desobediente llamada Teresa de Jesús en la cocina de un convento”.

Se trata de un encuentro supuesto o ficticio, pero que muy bien hubiera podido tener lugar en la realidad habida cuenta de los antecedentes familiares de Teresa (su abuelo había sido un judío converso investigado por el Santo Oficio), de su propia actitud rebelde contra la jerarquía eclesiástica y de sus escritos, de más que probable inspiración iluminista en una época, los albores del siglo XVI, en la que la ortodoxia contrarreformista se trataba de imponer en España a sangre y fuego; una larga conversación, como digo, que se convierte en una suerte de proceso inquisitorial en el que la vida y la obra de Teresa son sometidas a un riguroso escrutinio no exento de animosidad, de reproches y de veladas amenazas.

Desde Sonámbulo, una obra inspirada en el libro Sobre los ángeles, de Rafael Alberti, estrenada en el teatro Abadía en 2003, no conocemos un texto del autor de tan altísimo vuelo poético ni que muestre un empeño tan ambicioso de reelaboración formal, en este caso centrado en la tarea de recrear la sugerente y pulcra -en su aparente desaliño- prosa de santa Teresa. Una y otra vez las razones del inquisidor se estrellan contra un muro de sentido común, de convicciones arraigadas y de una fe inconmovible, mientras su discurso lógico discursivo se enfrenta en desigual combate con las imágenes deslumbrantes, el verbo encendido y la palabra transfigurada de la santa andariega.

Este bautismo de fuego, o si se prefiere una expresión más amable, esta presentación en sociedad de La lengua en pedazos constituyó toda una celebración de la palabra oficiada por dos destacados maestros de ceremonias, Pedro Miguel Martínez y Clara Sanchis, que pusieron lo mejor de su oficio y de su sabiduría escénica, que es mucha, al servicio del texto. El primero en el rol de un inquisidor abierto, humano y receptivo a las difícil tarea de intentar comprender la ejecutoria de Teresa; la segunda en una actuación briosa e intuitiva que aún dentro de la posibilidades menguadas que ofrece la lectura dramatizada frente a una representación teatral plena ya da muestras sobradas de capacidad para enfrentarse a este complejo personaje.

Gordon Craig.

ARTE. Bea de las Heras. "Espacio Tiempo". Molina de Aragón 2011.

2011-03-29T16:56:00.003+01:00

Bea de las Heras. "Espacio Tiempo, Molina de Aragón 2011", (2011).

Más Información.

TEATRO. Woyzeck. "Por la humillación a la locura".

2011-03-20T10:40:00.002Z

De: Georg Büchner. Versión de Juan Mayorga.
Con: Javier Gutiérrez, Lucía Quintana, , Jesús Noguero, Helio Pedregal, Markos Marín, Helena Castañeda, Marina Seresesky, Trinidad Iglesias, Ana María Ventura y otros.
Escenografía: M. Glaenzel y E. Cristià. Iluminación: J. Gómez-Cornejo. Movimiento escénico y coreografía: Chevi Muraday.
Dirección: Gerardo Vera.
Madrid. Teatro María Guerrero. 18 de marzo de 2011.

Partiendo de una noticia aparecida en los periódicos de la época que daba cuenta de un crimen pasional, Büchner (1813-1837) construye una trama de excelente factura dramática que sobrepasa ampliamente la anécdota de origen para inscribirse en una profunda e inquietante reflexión acerca del proceso mediante el cual el hombre natural, incapaz de sustraerse a un destino marcado por su origen y por el entorno material en el que vive, viene a ser corrompido, destruido, más bien, por la sociedad.

En este caso la víctima es Woyzeck, un modesto miembro de la clase de tropa, un pobre diablo, a medio camino entre el esperpético Friolera valleinclanesco y el Pascualillo Duarte de Cela, cuyo único error es haber mantenido relaciones sexuales extramatrimoniales con una hermosa mujer, María, que le atrae poderosamente. En el fuero interno de este cándido personaje no hay nada reprobable en esa relación, fruto de la cual ambos han tenido un hijo. En cambio, la comunidad sanciona este comportamiento como ilícito e inmoral, y a partir de ahí se desata toda una suerte de sucesos que van a conducir a la desgracia del protagonista. El comportamiento ocasionalmente anormal de Woyzeck, su torpeza, sus “visiones”, o los celos -aún siendo ese último sentimiento el desencadenante de la tragedia- no son sino elementos añadidos a un proceso más general de aislamiento y de reprobación de un individuo que ha transgredido las normas sociales y que tiene que ser castigado.

Brechtiana avant la lettre, e inconclusa (el autor murió con apenas 23 años dejando únicamente un borrador), la obra se articula mediante la superposición de breves cuadros que presentan los hechos esquemáticamente. Pero en ese material en bruto, si puede decirse así, hay base suficiente para revelar una tragedia en toda regla con una carga de crueldad, violencia y primitivismo que emparenta a Woyzeck con los héroes clásicos. Y así lo han sabido ver tanto el autor de la versión como el director del montaje. Mayorga ha llevado a cabo un paciente trabajo de reelaboración textual que clarifica algunas inconcreciones y ambigüedades del texto original, vertiéndolo en un lenguaje sobrio y directo cuyas variaciones de estilo acentúan el contraste entre el pueblo llano y la clase dirigente. El lenguaje de la chusma es esencial, concreto, casi cortante y despojado de retórica; por el contrario a través de la pomposa y grandilocuente verborrea del Doctor y del Capitán, y -curiosa semejanza-, de la Charlatana, se ridiculiza de manera inmisericorde a los miembros de esa supuesta clase superior.

La puesta en escena de Gerardo Vera incide en ese realismo brechtiano al que aludíamos arriba mezclando elementos farsescos con otros más afines a una poética de corte expresionista para dar cuenta de la virulencia y desmesura con la que se expresan los sentimientos y emociones de los personajes, desde los celos del titubeante y torturado Woyzeck hasta el ímpetu arrollador del deseo libidinoso de María, pasando por el arrogante paternalismo del Capitán, por la petulancia del Doctor o por la violencia de la soldadesca expresada por medio de la intimidación y la fuerza bruta; y también esa pulsión de muerte que se hace patente desde que vemos a Woyzeck blandiendo la navaja barbera para afeitar al capitán de la compañía de tambores del regimiento.

Desde los compases iniciales, con esa explosión de música, colorido y alegría que se despliega con la llegada de los titiriteros, el espectáculo te arrastra con una fuerza avasalladora y no sólo en las escenas corales, para las que Gerardo Vera parece estar particularmente dotado. Ese arranque de la obra con la escena de la barraca de feria y la presentación de este bruto con inteligencia humana del que habla la Charlatana, marca, asimismo, la pauta de irrealidad, de juego brutal, de rito simbólico en que se inscriben los sucesos que vienen a continuación. Dentro de este juego de símbolos, el oscuro pantano que representa de forma estilizada la escenografía de Max Glaenzel y Estel Cristià es una feliz metáfora de esa ciénaga pozoñosa que constituye el hábitat natural de Woyzeck y de los restantes moradores de la comarca.

Por lo que respecta a ciertos aspectos del movimiento escénico, y dicho sea de paso, la labor de Chevi Muraday, autor de las coreografías, ha debido de constituir una ayuda impagable. Y, desde luego, no puede dejarse de mencionar el espléndido trabajo de los actores, sin excepciones, empezando por la vitalidad desbordante y la carnalidad de María (Lucía Quintana) y terminado por el ingente e inspirado trabajo de Javier Gutiérrez que consigue trasmitir toda la simpleza de ánimo y el carácter bonachón y confiado de Woyzeck, y su torpeza, pero también el tormento de los celos, el regusto amargo de la incomprensión y los oscuros recovecos de un alma torturada y enfermiza.

Gordon Craig.

Woyzeck, Teatro María Guerrero.

FOTOGRAFÍA. Alberto Sen.

2011-03-16T08:34:00.000Z

Alberto Sen. Flickr.
Alberto Sen Fotografías.
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TEATRO. Del maravilloso mundo de los animales: los corderos. "Lobos con piel de cordero".

2011-03-10T08:23:00.004Z

De Daniel Veronese.
Con: Gema Matarranz, Manuel Salas, Elena de Cara, Paco Inestrosa y Enrique Torres.
Histrión Teatro. Dirección: Daniel Veronese.
Alcalá de Henares. Corral de Comedias. 6 de marzo de 2011.

“Creo que un todo puede contener al mismo tiempo barbarie y sutileza, tragedia y risotada, que un todo nace de contrastes y cuanto más importantes son esos contrastes, más ese todo es palpable, concreto, vivo”. Traigo a colación esta penetrante afirmación de Tadeus Kantor porque puede servirnos de clave interpretativa para descifrar la compleja escritura escénica de Daniel Veronese. Digo bien escritura escénica porque él mismo es el responsable del texto y de la dirección de actores en un trabajo de puesta en escena que instituye como principio estructurante precisamente el contraste de opuestos y la antítesis, o más bien, la disyunción, entre el texto y su representación, con unos personajes embarcados en una actividad en la que sus acciones, actitudes y comportamiento desmienten el sentido pretendido de sus palabras en una permanente ceremonia de la confusión.

En un primer nivel de ficción, la pieza recrearía un reencuentro familiar, o mejor dicho, el reencuentro de los integrantes de una pareja, Berta y Gómez, otrora amantes; pero enseguida nos damos cuenta de lo extraño del comportamiento de Berta, porque aquello parece más bien un secuestro para un ajuste de cuentas -que culmina en una cruel y despiadada forma de chantaje emocional sobre Gómez con la connivencia de Tono y de Fermín- y que al final resulta ser un simulacro. Aunque nunca estamos seguros de nada debido al extraño, misterioso y enfermizo proceder de los personajes y a ese dislocamiento al que aludíamos arriba entre palabra y acto. Un sutilísimo juego de apariencias, en fin, donde la violencia verbal se transforma en múltiples formas de violencia física e intimidación que alcanza a veces cotas de tensión dramática insuperables.

Los personajes trascienden cualquier concreción psicológica y constituyen más bien auténticas emanaciones o manifestaciones de la truculencia, de la crueldad y de la vesania inherentes a la naturaleza humana en general, pero que se manifiestan con especial virulencia en el contexto de una sociedad como la argentina, una sociedad postdictatorial, dañada, devastada por la injusticia, por la exclusión, por la corrupción y por la penuria heredadas de un régimen represivo y violento.

La rigurosa labor de dirección de Daniel Veronese saca de cada uno de los actores del elenco lo mejor de sí mismos. Sorprende la versatilidad de Gema Matarranz para encarnar a la fría y manipuladora Berta, una experta en las artes de la simulación, no exenta de veleidades sádicas, que despliega todas las estrategias de la dominación. Pero no son menos inquietantes el rijoso Fermín (Manuel Salas) o el chulesco e inestable Tono (Enrique Torres), la descarada mosquita muerta que responde a la denominación de Niña (Elena de Cara) o el aprovechado y olvidadizo Gómez (Paco Inestrosa). Su comportamiento, en general atrabiliario y extraño, su falsa mansedumbre y sus ocasionales explosiones de cólera y enfrentamiento físico, confinados en un pequeño habitáculo desnudo que parece la celda de un manicomio, coadyuvan a crear una atmósfera onírica, opresiva y amenzadora.

Gordon Craig.

Del maravilloso mundo de los animales: los corderos. Corral de Comedias de Alcalá de Henares.

ARTE. Bea de las Heras. Espacio Tiempo. "Ojos verdes".

2011-03-08T08:43:00.002Z

Bea de las Heras. "Espacio Tiempo, Ojos Verdes", (2010).

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